Le quattro stagioni

Antonio Vivaldi

Le quattro stagioni, d’Antonio Vivaldi és una de les obres per a cordes més importants del barroc. Escrites sota la forma de text poètic, són quatre concerts que pertanyen a la sèrie titulada Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione. Cada concert il·lustra un sonet demostratiu, amb versets que són disseminats al llarg de la partitura. Es considera un dels primers exemples de “música de programa”. Per a mi, va ser una obra d’aprenentatge indispensable.

Vivaldi va ser molt meticulós i volia que la música reflectís el text al seu moment precís. Ell mateix ho indica a la partitura, en els quatre concerts, a la part superior, i també a sobre dels compassos corresponents. L’escriptura de Vivaldi és molt eficaç i està plena de detalls tècnics nous, que fan que la partitura arribi a l’oient amb tot el seu poder descriptiu.

Comença amb La primavera. En el primer moviment, Allegro, indica que arriba la Primavera, i una mica més endavant “Il canto de gl’Ucelli”. Quan arriba el moment precís de la tempesta, escriu “lampi e tuoni…”. El Largo que segueix, sempre en pianissimo, és una llarga i emotiva melodia del solista, que descriu el pastor com dorm plàcidament (“il capraro che dorme”), mentre les violes imiten un gos que borda insistentment (“il cane che grida”). Els altres tres concerts, segueixen amb les seves indicacions a la partitura, fet que per als intèrprets representa una magnífica guia, ja sigui per al seu enteniment com per a una justa comprensió entre text i música.

Es tracta d’una obra d’èxit segur, si la interpretació és bona. Però compte perquè una bona versió només es pot aconseguir amb instrumentistes de primera línea, que a més sàpiguen transmetre tota la seva frescor i poder descriptiu. Aparentment pot semblar una escriptura poc complicada però que demana una pulcritud absoluta.

Són molts els enregistraments que s´han fet al llarg dels anys. Cal esmentar els primers, a càrrec dels I Musici i dels I Virtuosi di Roma (anys 50). També el de l’Academy of Saint Martin in the Fields -amb Iona Brown, com a solista-, i d’altres de posteriors, com el de l’English Chamber Orchestra i Nigel Kennedy, o els realitzats per les seccions de corda de les grans orquestres. No hi ha dubte, però, que les millors versions són les de grups reduïts.

No fa gaire he tingut l’ocasió d’escoltar dues versions relativament recents, i que m’han impactat. No esperava tanta genialitat. Són les que van gravar el violinista italià Giuliano Carmignola, amb l’Orquestra Barroca de Venècia; i la violinista holandesa Janine Jansen, amb l’Amsterdam Sinfonietta. Totes dues són d’una qualitat altíssima. És difícil interpretar millor la cèlebre partitura. Recomano escoltar les dues versions, ja que són dues maneres de tocar absolutament diferents. Penso, però, que la de Janine Jansen té al seu favor una filmació molt millor, en el sentit que engloba tota l’orquestra, tenint en compte els solos del violoncel i del contrabaix, així com la tasca que fa el clave. Per a mi és més didàctica. La Jansen arrosegue l’orquestra amb el seu peculiar magnetisme, amb uns solos de gran bellesa, però a la vegada integrada en el grup com un membre més. Cada instrumentista realitza la seva part amb un mestratge que causa un plaer enorme. És el cas, per exemple, de la noia oriental del primer violoncel, o del primer violí, que se situa al costat de Jansen en el fragment de La Primavera, en que imiten els ocellets que canten.

De Giuliano Carmignola en parlaré aviat en un altre article, ja que les seves interpretacions aquí no són gaire conegudes, tot i tractar-se d’un violinista fenomenal. El seu Mozart és realment captivador.

Jordi Cervelló

LE QUATTRO STAGIONI

‘Le quattro stagioni’ de Antonio Vivaldi es una de las obras para cuerda más importantes del barroco. Escritas bajo la forma de texto poético, se trata de cuatro conciertos que pertenecen a la serie ‘Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione’. Cada concierto ilustra un soneto demostrativo, con versos que son diseminados a lo largo de la partitura. Se considera uno de los primeros ejemplos de “música de programa”. Para mi fue una de aprendizaje indispensable.

Vivaldi fue muy meticuloso y quería que la música reflejara el texto en su momento preciso. Él mismo lo indica en la partitura, a lo largo de los cuatro conciertos, sobre los compases correspondientes. La escritura de Vivaldi es muy eficaz y llena de detalles técnicos novedosos que hace que la obra llegue al oyente con todo su poder descriptivo.

Comienza con “La primavera”. En el primer movimiento “Allegro” indica que llega la Primavera, y poco más adelante escribe “Il canto de gl’Ucelli”. En el momento preciso de la tormenta, escribe “lambi e tuoni…”. El Largo que le sigue, siempre en pianissimo, es una larga y emotiva melodía del solista, que describe el pastor durmiendo plácidamente -“Il capraro che dorme”-, mientras las violas imitan los ladridos de un perro de manera insistente -“Il cane che grida”-.

En los otros tres conciertos, Vivaldi sigue con sus indicaciones en la partitura, lo cual resulta una magnífica guía para los intérpretes, tanto por su entendimiento, como para una justa comprensión de texto y música.

Se trata de una obra de éxito seguro, si la interpretación es buena. Pero cuidado, porqué una buena versión sólo se consigue con instrumentistas de primera línea, que además sepan transmitir con todo su frescor el poder descriptivo de la obra. Aparentemente puede parecer una escritura poco complicada, pero pide una pulcritud extrema.

Son muchas las grabaciones que se han hecho a lo largo de los años. Una primera que causó impacto fue la de los I Musici que coincidió más o menos con la de los I Virtuosi di Roma (años 50). Poco después aparecía la de la orquesta británica Academy of Saint Martin in the Fields, con Iona Brown como solista. Bastante posterior es la de Nigel Kennedy con la English Chamber Orchestra. También han grabado la obra las secciones de cuerda de las grandes orquestas sinfónicas, con renombrados solistas y directores, pero el resultado ya no es el mismo. Funciona siempre mejor con grupos reducidos.

No hace mucho he tenido la ocasión de escuchar dos versiones relativamente recientes, que me han impactado. No esperaba tanta genialidad. Son las que protagonizan el violinista italiano Giuliano Carmignola con la Orquesta Barroca de Venecia, y la de la violinista holandesa Janine Jansen con la Amsterdam Sinfonietta. Las dos son de un altísimo nivel. Es difícil interpretar mejor la célebre partitura. Recomiendo escuchar las dos versiones ya que se trata de dos interpretaciones absolutamente distintas. Sin embargo pienso que la de Janine Jansen tiene a favor que la filmación es mejor, ya que engloba toda la orquesta, teniendo en cuenta los solos de violonchelo, contrabajo, así como la labor del clave. La encuentro más didáctica. La impulsiva Jansen con su peculiar magnetismo arrastra la orquesta con unos solos de gran belleza pero a la vez se integra en el grupo como un miembro más. Cada instrumentista realiza su parte con una maestría que causa un enorme placer. Por ejemplo, la chica oriental que hace de primer violonchelo o el primer violín, que se situa al lado de Jansen en el momento en que imitan a los pajarillos que cantan, en La Primavera.

Sobre Giuliano Carmignola hablaré en un próximo artículo, ya que es un violinista extraordinario, poco conocido en nuestro país pero muy renombrado en todo el mundo. Su Mozart es de referencia.

Jordi Cervelló

El violí invisible

Ara farà uns dos anys que vareig escoltar pel canal de YouTube un concert per a violí i orquestra interpretat pel nostre violinista Josep Colomé. El seu autor era un jove colombià que es diu Juan David Osorio. L’acompanyava l’Orquestra Eafit. Vaig tenir una molt agradable impressió, tant de l’obra com de la interpretació que en fa en Josep. És un concert escrit amb molta eficàcia i gran ofici, molt poc freqüent en un músic jove. Alterna episodis d’un lirisme molt sentit, amb passatges del més alt virtuosisme. Una obra de la que, n’estic segur, tindrà un llarg camí. Us recomano que l’escolteu.

D’altra banda, Josep Colomé ha editat no fa gaire un CD per a ‘Sole Luther & Arqueter’, un programa amb peces d’autors catalans que conclou amb una Sarabanda de Bach. Es tracta d’un disc per a violí sol que té la virtut d’encertar les obres programades, totes elles d’un interès molt particular. A més, Colomé fa servir dos violins extraordinaris per a l’enregistrament: un Stradivari de l’any 1711 i un José Contreras de 1767. Aquest últim luthier es considera l’Stradivarius espanyol.

El títol del treball és El violí invisible, que és també el nom d’una obra d’Albert Guinovart continguda en la gravació. Una pàgina atractiva, molt violinística i amb reminiscències bachianes. L’obra és fruit d’un encàrrec de Colomé i a ell està dedicada. Francesc Guzman és un jove compositor i violinista nascut el 1991, d’indubtable talent. En la seva obra Ouverture s’entreveu la clara inquietud d’un jove que ja demostra una inventiva fora del comú. Com a violinista que és, aplica amb naturalitat trets particulars de l’instrument. És també un encàrrec de Colomé. Pep Massana, també violinista, és un altre autor de molt interès. Ofereix per al disc una peça realment curiosa i refinada, que porta per títol París 2002. Massana descriu a través de la seva música una petita església on els monjos resen mentre s’escolta el vent per les escletxes. Pel seu toc orientalitzant, em recorda un indret de Rússia.

L’obra de Salvador Brotons es basa en el verset Et in terra pax del Glòria de la Missa. Música inquietant, dividida en tres parts: Furioso, Lento i Calmo, amb un violí d’ampli recorregut i de registres emocionals contrastants. És dramàtica però alhora té un toc celestial molt sentit. A Matilde, de Josep Soler, és l’obra més extensa continguda en el disc. És una llarga melodia, meditativa i refinada, que colpeix per la seva religiositat. Tota ella està basada en sons perllongats i d’un misticisme típic d’aquest autor. L’obra és realment profunda.

De Gaspar Cassadó tenim un encertat arranjament de l’Intermezzo et danse finale de la Suite per a violoncel sol d’aquest autor. L’adaptació és del mateix violinista intèrpret del disc, que d’aquesta manera enriqueix el repertori de violí amb un moviment que s’hi adapta perfectament.

Per acabat vull agrair al violinista agrair a Josep Colomé la inclusió de dos dels meus capricis, que interpreta amb imaginació i l’autoritat pròpia d’un violinista que en poc temps ha demostrat ser un dels intèrprets catalans d’aquest instrument més interessants.

Si teniu Spotify, podeu escoltar el disc sencer en aquest enllaç: http://bit.ly/1FSpBwB

Jordi Cervelló

EL VIOLIN INVISIBLE

Hará unos dos años que escuché por YouTube un concierto para violín y orquesta interpretado por nuestro violinista Josep Colomé. El autor de la obra era un joven colombiano, Juan David Osorio. Colomé lo interpretaba con la Orquesta Eafit. Tuve una impresión muy agradable tanto de la obra como de la interpretación que realiza Josep Colomé. Es un concierto escrito con mucha eficacia y gran oficio, muy poco frecuente en un compositor todavía joven. Alterna episodios de un lirismo muy sentido con pasajes de alto virtuosismo. Una obra que debería tener largo camino y que recomiendo que escuchéis.

Por otra parte, Josep Colomé ha editado no hace mucho un CD para “Solé Luthier&Arqueter”, con un programa basado en autores catalanes, para concluir con una Sarabanda de Bach. Es una grabación para violín solo que tiene la virtud de una reunir una seleccion de obras todas ellas de gran interés. Hay sin embargo un hecho que lo hace aún si cabe más atractivo: Colomé se sirve de dos instrumentos históricos extraordinarios: un Stradivari del año 1711 y un José Contreras de 1767. Contreras está considerado el Stradivarius español.

El CD se llama ‘El violín invisible’, y hace referencia al título de una de las piezas escritas por Albert Guinovart que se incluyen en el disco. Es una página atractiva, muy violinística y de reminiscencias bachianas. Una pieza que nació del encargo que le hizo el mismo Colomé, a quien está dedicada.

Francesc Guzmán es un joven compositor y violinista nacido en 1991, de indudable talento. En su obra ‘Ouverture’ ya se entrevee la clara inquietud de un joven que demuestra una inventiva fuera de lo común. Como violinista que es, aplica con naturalidad algunas características técnicas particulares de su instrumento. La obra es también un encargo de Josep Colomé.

Pep Massana, también violinista, es otro caso bien particular. Su obra ‘París 2002’ es realmente emocionante. Massana describe, de manera curiosa y refinada, una pequeña iglesia donde los monjes rezan mientras se escucha el viento a través de las grietas. Tiene un toque orientalizante que nos lleva a un lugar recóndito de Rusia.

La obra de Salvador Brotons está basada en el verso ‘Et in terra pax’, del Gloria de la Misa. Música inquietante, dividida en tres partes: Furioso, Lento y Calmo, con un violín de amplio recorrido y de contrastados registros emocionales. Es una pieza dramática pero a la vez tiene un toque celestial muy sentido.

‘A Matilde’, de Josep Soler, es la obra más extensa del CD. Es un descanso, de principio a fin. Una larga melodía de carácter meditativo y sereno, que impresiona por su religiosidad. Toda ella está basada en sonidos alargados y de un misticismo típico de este autor. La pieza es realmente profunda. 

De Gaspar Cassado tenemos un acertado arreglo del ‘Intermezzo et danse finale’, que aparece en la Suite para violonchelo solo de este autor. El arreglo para violín es del mismo intérprete del disco, que de esta manera enriquece el repertorio para violín solo con un movimiento que se adapta perfectamente al instrumento.

Para acabar, quiero agradecer a Josep Colomé la inclusión de dos de mis caprichos en esta grabación, que interpreta de manera imaginativa y contundente. A Colomé hay que agradecerle su preocupación por nuestro repertorio, en el que demuestra ser uno de nuestros intérpretes más interesantes.

Escuchar el CD ‘El violí invisible’ en Spotify: http://bit.ly/1FSpBwB

Jordi Cervelló.

Breu història de la música a Rússia (i 2)

Segona part de l’article que vam penjar fa uns dies, on Jordi Cervelló i Caterina Autuori repassen la història de la música a Rússia. Podeu consultar el capítol anterior fent clic en aquest enllaç.

Aleksandr Dargomijski

Mort Glinka, l’any 1857, apareixerà el seu heureu Aleksandr Dargomijski (1813-1869), que va seguir el camí que va marcar aquell. Aquest compositor ja havia treballat amb Glinka a ‘Una vida per al tsar’ i es va entusiasmar amb la idea de crear una òpera nacional. Va abandonar la seva feina a la Hisenda Pública i va començar a treballar en una òpera inspirada en l’obra Notre Dame de París, de Victor Hugo, que va titular Esmeralda. La seva obra mestra, però, seria Russalka, que va concloure l’any 1855. Més endavant escriuria El convidat de pedra, a partir del text de Puixkin. Es tracta d’una obra adscrita al realisme de l’escola russa clàssica i que accentua la seva independència de tot allò convencional. I va ser precisament a casa de Dargomijski on Mussorgski va coincidir per primer cop amb Mili Balàkirev, Aleksandr Borodín, Nikolai Rimski-Kórsakov i Cesar Cui. Som a les portes de la ‘Nova escola musical russa’, dins d’una estètica pròpia segons la personalitat de cadascú. Era el ‘Grup dels Cinc‘.

Txaikovski, que no figurava en aquest grup, va decidir estudiar música seriosament després d’haver passat uns anys a l’Escola Imperial de Jurisprudència de Sant Petersburg. Va abandonar aquesta tasca per dedicar-se a la música a temps complet. Estudià al Conservatori de Sant Petersburg amb Anton Rubinstein i Nikolai Zaremba. L’any 1865 es va graduar i l’any següent ja era professor del Conservatori de Moscou. Va adaptar les formes occidentals, amb les modificacions pertinents, amb l’objectiu d’aconseguir un estil personal, en el sentit que la seva música no perdés l’essència russa. La seva independència no lligava amb la dels seus contemporanis que formaven el ‘Grup dels Cinc’.

D’esquerra a dreta, Balàkirev, Cui, Borodín, Mussorgski i Rimski-Kórsakov

Aquest grup, creat a Sant Petersburg, va estar viu entre els anys 1856 i 1870, i el podem considerar un moviment romàntic rus. Eren músics molt especials. Tant Balàkirev com  Borodín, Cui, Mussorgski i Rimski-Kórsakov, volien una música específicament russa, evitant així imitar la música europea o la que s’ensenyava en els conservatoris. Tenien, però, certs models, com Chopin, Schumann o Liszt. El veritable fons tenia, de totes maneres, un caire oriental, i utilitzaven característiques de la música folklòrica russa en les seves melodies i harmonies. Intentaven, com deia Glinka, reproduir “l’ànima de la música russa“.

Txaikovski, que sentia una admiració especial per Mozart, feia ús de cançons populars russes en alguna de les seves obres, però seguint els esquemes occidentals, sobretot pel que fa a la forma o a les progressions tonals. De fet, no sentia la necessitat de fer una música nacional.

La gran diferència entre Txaikovski i el Grup dels Cinc és que mentre primer es va preparar a fons, la resta no van rebre formació acadèmica. És més, el seu ideòleg, Mili Balàkirev anava en contra dels academicismes, que considerava una amenaça per a la imaginació musical. Tots cinc escrivien en el temps lliure i pràcticament van ser autodidactes, excepte Rimski-Kórsakov, que, quan li van oferir d’ingressar al Conservatori de Sant Petersburg com a professor de composició i d’orquestració, a més de fer-se càrrec de la direcció de la classe d’orquestra, es va haver de preparar a corre-cuita, ja que tenia mancances realment greus. En la seva autobiografia, que porta per títol Diario de mi vida musical, publicat a Barcelona per Josep Janés el 1947, el mateix Rimski-Kórsakov reconeix la manca d’ofici amb les següents paraules: “en aquelles dates no sabia harmonitzar un coral, no havia escrit un sol contrapunt, tenia idees confuses la construcció d’una fuga” i, encara més greu, “ni tan sols sabia el nom dels intèrvals disminuïts o augmentats dels acords (…). Tampoc tenia suficient coneixement de la corda, ni tampoc de les claus que utilitzaven les trompes, les trompetes i els trombons“. Quan va acceptar el càrrec, va començar a preparar-se amb urgència, recorrent fins i tot a Txaikovski, que el va ajudar molt. Li enviava treballs que l’altre corregia. Txaikovski el va recolzar moralment, a més d’admirar la seva perseverança i modèstia. L’esforç va valer la pena ja que Rimski-Kórsakov s’acabaria convertint en un dels més grans instrumentadors de tota Rússia.

Cap al 1870 el Grup dels Cinc es va començar a dispersar. Mussorgski i Rimski-Kórsakov van voler allunyar-se de la influència de Balàkirev, a qui trobaven massa dominador. Cadascú va seguir camins diferents. Paral·lelament es va formar un altre grup, conegut com el Cercle Beliàyev, integrat per músics més joves, que van créixer al costat de Rimski-Kórsakov. Eren Aleksandr Glazunov i Anatol Liadov, als que poc temps després s’hi afegiria també Anton Arenski (1861-1906), personatge molt influent en el desenvolupament de la música russa. Txaikovski, tot i que no en formava part, es va trobar còmode en el nou grup, pel seu enfoc cosmopolita dins del conservatori. El nom venia del mecenes Mitrofan Beliàyev, un important comerciant del ram de la fusta, músic afeccionat i també editor. Eren nous temps.

Txaikovski

Arribem a final del segle XIX, moment en que apareixen quatre figures inigualables, que portarien la música russa al lloc més elevat. Aleksandr Scriabin (1871-1915), un excel·lent pianista que, a més del Poema de l’èxtasi per a orquestra i del seu Concert per a piano i orquestra, va escriure nombroses obres per a piano sol d’una qualitat única. Cal subratllar que Scriabin hauria de ser molt més conegut. Seguirien dos grans i alhora tan diferents concertistes/compositors: Serguei Rakhmàninov (1873-1943) i Serguei Prokófiev (1891-1953). Tot i les diferències evidents entre l’un i l’altre, tenen en comú una força interior realment extraordinària. A ells hem d’afegir-hi Igor Stravinski (1882-1971), el més revolucionari i polifacètic compositor rus, i Dmitri Xostakóvitx (1906-1975), que amb els seus quinze quartets i quinze simfonies va culminar una aventura única en el camp de la música. Per acabar esmentaríem Aram Khatxaturian, compositor armeni nascut a Tiflis i autor d’un Concert per a violi i orquestra, basat en el folklore armeni, d’un dinamisme i originalitat que l’han convertit en una obra imprescindible del repertori per a violí i orquestra.

Nosaltres coneixem la música russa, gràcies als noms de sempre. Però hi ha hagut i hi ha altres músics excel·lents. Per exemple, Nikolas Miaskowsky, Aleksandr Sérov -que es va iniciar primer com a crític musical-, Georgui Conus -expert en instrumentació i autor també d’un Concert per a violí i orquestra del que Jascha Heifetz en va fer una versió memorable-, o Dmitri Kabalevski, que a més de compositor va destacar com a pianista i director d’orquestra.

Jordi Cervelló i Caterina Autuori

BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA EN RUSIA (y 2)

Para leer la primera parte del artículo, clicar este enlace.

Muerto Glinka en 1857, aparece su heredero, Alexander Dargomyski (1813-1869), que siguió el camino marcado por aquél. Este compositor ya había trabajado con Glinka en “Una vida por el zar” y se entusiasmó con la idea de formar una ópera nacional. Abandonaría su trabajo en la Hacienda Pública y comienzaría a trabajar en una ópera inspirada en “Notre Dame de París” de Victor Hugo: “Esmeralda”. Su obra maestra fue “Russalka”, que terminó en 1855 y más adelante escribiría “El invitado de piedra” según el texto de Don Juan de Pushkin, obra adscrita al realismo de la escuela de la rusa clásica y acentúa su independencia de todo lo convencional. Y fue precisamente en casa de Dargomyski donde Mussorsgki encuentraría por primera vez a Mily Balakirev, Alexander Borodin, Rimsky Korsakov y Cesar Cui. Estamos en las puertas de la Nueva Escuela Nacional Rusa, dentro de una estética que siguieron según la personalidad de cada uno de ellos. Era el llamado “Grupo de los Cinco”.

Tchaikovsky, que no figuraba en este grupo, decidió estudiar música seriamente después de haber pasado unos años en la ‘Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo’. Abandonó este trabajo para dedicarse a la música a tiempo completo. Estudiaría en el Conservatorio de San Petersburgo con Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba. Se graduó en el año 1865 y al año siguiente sería ya profesor en el Conservatorio de Moscú. Adaptó las formas occidentales con las pertinentes modificaciones, con el fin de conseguir un estilo personal en el sentido que su música no perdiera la esencia rusa. Su independencia no ligaba con la de sus contemporáneos, que formaban parte del ‘Grupo de los Cinco’.

Dicho grupo fue creado en San Petersburgo y estuvo en activo entre 1856 y 1870. Se puede considerar como un movimiento romántico ruso. Eran músicos muy especiales. Tanto Balakirev como Borodin, Cui, Mussorsgki y Rimski Korsakov querían una música específicamente rusa, evitando imitar la música europea o la que se enseñaba en los Conservatorios. Sin embargo tenían ciertos modelos como Chopin, Schumann y Liszt, pero el verdadero fondo tenía cierto aire oriental utilizando características nativas sobre la melodía, la armonía, de la música folklórica rusa tanto de la parte central como oriental…intentar reproducir como decía Glinka “el alma de la música rusa”.

Tchaikowski que sentía una gran admiración por Mozart, utilizaba canciones populares rusas en alguna de sus obras pero siguiendo los esquemas occidentales sobre todo en lo que se refiere a la forma o las progresiones tonales. De hecho no sentía el problema de componer una música nacional. Pero la gran diferencia fue que mientras Tchaikowski se preparó a fondo, ninguno del “Grupo de los Cinco” recibió  formación académica. Es más, el que llevaba el grupo, Mily Balakirev, iba contra los academicismos que consideraba como una amenaza para la imaginación musical. Además, todos escribían a tiempo libre y prácticamente fueron autodidactas excepto Rimski que cuando se le ofreció ingresar en el Conservatorio de Sant Petersburgo como profesor de composición y orquestación además de director de la clase de orquesta tuvo que prepararse urgentemente ya que tenía unas deficiencias teóricas realmente graves. En su autobiografía “Diario de mi vida musical” publicado en Barcelona por Josep Janés el año 1947, él mismo reconoce su falta de oficio con las siguientes palabras:  “en aquella época no sabía armonizarun coral, no había escrito un solo contrapunto,  tenía ideas confusas sobre la construcción de una fuga” y todavía más grave “ni tan solo sabía el nombre de los intérvalos disminuidos o aumentados de los acordes exceptuando el acorde perfecto…tampoco tenía conocimientos suficientes  de la cuerda así como de las claves que utilizaban las trompas, trompetas o trombones…”.

Al aceptar el cargo y prepararse con toda urgencia acudió a Tchaikowski que lo ayudó corrigiéndole los trabajos que le iba mandando. Tchaikowski lo estimulaba y admiraba por su perseverancia y modestia. Sin duda que su esfuerzo en aprender tanta información valía la pena ya que Rimski se convertiría en uno de los “grandes instrumentadores”  de todo Rusia. 

Hacia el año 1870 el “Grupo de los Cinco” se comienza a dispersar. Mussorsgki y Rimski Korsakov quisieron alejarse de la influencia dominadora de Balakirev y los Cinco siguieron por caminos distintos. Sin embargo se formó otro grupo conocido como “Círculo Beliáyev”  formado por compositores más jóvenes y que crecieron al lado de Rimski. Eran Alexander Glazounov,  Anatole Liadov y poco más tarde también Anton Arenski, muy influyente en el desarrollo de la música rusa. Tchaikowski, todo y que no formaba parte del Círculo se sentía cómodo con ellos por su enfoque  cosmopolita  dentro del Conservatorio. El Círculo tenía el nombre del mecenas Mitrofán Beliáyev, un importante comerciante del campo de la madera, músico aficionado y también editor. Eran nuevos tiempos.

Llegamos a finales del siglo XIX en el que aparecen cuatro grandes figuras inigualables y que llevarían la música rusa a su máximo esplendor: Alexander Scriabin ((1871-1915) un excelente pianista que además del conocido “Poema del éxtasis” para orquesta y de su “Concierto para piano” compuso numerosas piezas para piano solo de una calidad extraordinaria. Quiero subrayar que su obra . en especial la de piano solo – debería ser mucho más conocida. Siguen los también dos grandes pianistas y compositores Sergei Rachmaninov (1873-1943) y Sergei Prokofiev (1891-1953) autores totalmente diferentes per ambos con una fuerza interior enorme para llegar con Igor Stravinsky (1882-1971), el más revolucionario y polifacético de todos los autores rusos. Este momento extraordinario culmina con la obra de Dmitri Shostakovich (1906-1975) autor de numerosas obras destacando sus 15 sinfonías y sus 15 cuartetos de cuerda.

Pero además me place nombrar al armenio Aram Katchaturian nacido en Tiflis que escribió un concierto para piano y otro para violín, este último de un color folklórico único y que en el día de hoy es una obra que se interpreta con frecuencia además de ser un Concierto indispensable sea en los Conservatorios que en los Concursos. Los autores rusos de estas últimas décadas son conocidos en todo el mundo pero hay otros que merecen ser citados  y que han compuesto obras excelentes muy conocidos y apreciados en Rusia. Por ejemplo Nikolas Miaskowsky, Alexander Sérov, Georgui Conus un experto en instrumentación y que cuenta con un virtuosístico Concierto para violín y orquesta que cuenta con una memorable versión discográfica de Jascha Heifetz y Dmitri Kabalesky que fue profesor de piano, compositor y director de orquesta.

Jordi Cervelló y Caterina Autuori