El passat 16 de novembre va tenir lloc al Teatre de Sarrià un concert de cambra a càrrec del Dalia Quartet, una formació emergent que ocupa ja un lloc destacat en aquest àmbit.
El Dalia Quartet, fundat fa poc temps, està integrat per quatre joves instrumentistes de sòlida formació: Elena Rey i Oleguer Bertran (violins), Anna Puig (viola) i Erica Wise (violoncel). Tots quatre s’han perfeccionat en formacions europees de renom, com la Mahler Chamber Orchestra o la Luzern Festival Orchestra.
El concert ofert al legendari Teatre de Sarrià va ser tot un èxit. Varen interpretar tres obres exquisides, i el públic va respondre de manera entusiasta. El programa l’integraven el Quartet en Re Major, opus 20, de Haydn; una obra d’Anton Webern, i el Quartet per a cordes de Ravel. Les versions del Dalia Quartet van emocionar un auditori molt atent i respectuós.
El quartet de Haydn forma part d’un recull de sis obres que porta com a sobrenom “El sol”. El compositor austríac reuneix els trets més importants del quartet per unir-los a l’estil galant i la tècnica contrapuntística. Cal dir que a Haydn se’l considera “el pare dels quartets de corda”. La interpretació va ser sòbria, generosa i convincent.
Canvi total amb l’obra d’Anton Webern “Langsamer Satz”, escrita l’any 1905, és un bell exemple de l’estil postromàntic. Impressiona pel seu misticisme i clima de nostàlgia. Una mena d’acomiadament de temps passats. El Quartet Dalia va donar-hi emoció a través dels seus arquets empastats a les cordes dels seus instruments, com si volguessin no abandonar-les.
Finalment, el quartet que Maurice Ravel va dedicar al seu mestre Gabriel Fauré. L’obra, escrita uns anys després del de Debussy, ocupa des de fa temps un lloc important en el repertori per a quartet. Com és habitual en Ravel, la seva escriptura és d’una gran precisió, i es tan agradable de tocar com d’escoltar. Utilitza la forma cíclica i sobresurt la claredat estructural combinat amb la lleugeresa, característiques de la música francesa. La interpretació va ser molt meritòria i ordenada, demostrant un cop més que el Dalia Quartet té futur en aquest terreny tan noble i inimitable com és el dels quartets de corda.
En el año 1900, León Tolstói escribió un libro titulado Contra aquellos que nos gobiernan. Se trata de un libro conocido y que sólo una mente lúcida y anticipativa podía ofrecer. Tolstói nos habla de los vínculos estructurales de la forma esclavista del pasado y la servidumbre difusa del capitalismo contemporáneo y futuro. Se anticipa al proponer fórmulas vinculadas al decrecimiento y la economía sostenible como modelo de resistencia no violenta. Abogaba por el retorno a la naturaleza, la simplicidad, la salud, la libertad y la dignidad moral.
Leyéndolo de nuevo he sentido la necesidad de reproducir alguno de sus conceptos dirigidos a la clase política y financiera, a la que acusa de expolios y de constante explotación que lleva a la desigualdad. Tolstói se remonta a situaciones económicas de la Inglaterra del siglo XVIII, como también de Bélgica, Francia, Alemania y naturalmente Rusia.
Leo, por ejemplo: “(…) por la fuerza de las leyes que rigen la evolución económica, algunos individuos han de amontonar capitales mientras otros trabajan toda su vida para aumentar sus fortunas (…)”.
Otra verdad: “(…) en ningún país los impuestos se han creado con el consentimiento general de sus habitantes. Han sido creados por conquistadores o usurpadores que solo pensaban en sus intereses y no en el bienestar de la sociedad”.
Los mandatarios dicen: “Si atentáis contra el orden establecido de las cosas provocaréis los desastres más grandes”. ¿Son los hombres racionales? Se pregunta. “Si lo son, sus relaciones tienen que estar fundamentadas sobre la razón y no sobre la violéncia de aquellos que ocupan lugares de poder”.
El libro, de unas 120 páginas, está lleno de reflexiones que, a pesar de haber transcurrido más de cien años, siguen absolutamente vigentes. Desgraciadamente, el mundo está dirigido por la clase poderosa cada vez más restringuida sometiendo a gran parte de los humanos en un verdadero infierno. La desigualdad en el día de hoy es un escándalo y con pocas previsiones de cambio. Una última reflexión: “Los gobiernos protegen y recompensan a los hombres en proporcion a la parte que toman en la organización de la mentira: el emperador, el rey o el presidente es el que gasta más dinero. Y este dinero proviene de las rentas que producen los impuestos pagados por sus súbditos”.
La relectura de este libro me ha provocado una gran tristeza al comprobar que lejos de un mundo mejor estamos ante un mundo muchísimo peor. El ejemplo de España es flagrante. La mentira constante en el ámbito político con unos dirigentes que se muestran impertérritos ante un pueblo que ya ha dejado de tener voz propia. El Parlamento se ha convertido en un atajo de gandules que solo piensan en que su escaño sea de por vida.
Foto de dgt.es
Estamos cada vez más lejos de una democracia parlamentaria con un gobierno ya cercano a la ideología franquista. El momento actual me es familiar. El engaño al pueblo con manipulaciones constantes, un pueblo que sufre graves consecuencias y al que se priva de sus derechos fundamentales. Mientras, dirigentes corruptos toman decisiones que impiden el acceso a un pasado delictivo de sus “amigos”, hoy miembros del parlamento.
La mayoría absoluta del Partido Popular con sus decisiones irrevocables es una de las grandes causas del retroceso democrático que nos ha llevado a acatar decisiones que mucho me recuerdan la época de nuestro glorioso caudillo. El engaño constante y un centralismo cada vez más férreo y menos sensible al estado de las autonomías ha llevado a un flujo constante de independentistas en Catalunya. Y más aún, el gobierno del PP ha demonizado a los catalanes por toda España a través de los medios de difusión logrando sus objetivos.
El problema político ha hecho mella en los españoles pero debo decir que por suerte y en el ámbito de la música al cual pertenezco prácticamente no existe ningún recelo hacia si uno es catalán. La culpa es básicamente política, unos políticos que han utilizado Catalunya como la gallina de los huevos de oro. El actual ambiente me produce náuseas.
George Gershwin és un dels compositors més emblemàtics dels Estats Units. Era de la generació dels Copland, Barber, Piston, etc., i va ser el creador de la gran òpera nord-americana Porgy and Bess, una veritable obra d’art. El seu catàleg és molt singular i diferent al d’altres autors. Conté nombroses i molt belles cançons, obres escèniques i teatrals, música de films i també música simfònica, que ocupa un lloc molt concret.
Quan tenia 21 anys va compondre un quartet de corda, que més tard estrenaria el Juilliard Quartet. La famosa Rhapsody in blue, per a piano i orquestra, va ser escrita l’any 1924, i el 1926 escriuria el poema simfònic Un americà a París. La Segona Rapsòdia per a piano apareixerà el 1931, com a encàrrec de la Simfònica de Boston, i l’any 1934, les Variacions sobre ‘I Got Rhythm’. La seva gran òpera en tres actes, Porgy and Bess, va ser escrita l’any 1935.
Aquest article el vull dedicar, però, al seu Concert per a piano i orquestra. Escrit l’any 1925, va servir-li per adquirir un mestratge molt sòlid pel que fa a l’orquestració, a més de ser una obra representativa de l’anomenat “jazz simfònic”.
George Gershwin va néixer a Nova York el 1898, i va morir prematurament el 1937. Era fill d’immigrants russos jueus, originaris de Sant Petersburg. El seu pare es deia Morris Gershovitz, i la mare Rose Bruskin. Van emigrar als Estats Units vers l’any 1890, i es varen casar el 1895. El seu pare va canviar el seu cognom per Gershwin. El germà de George, Ira, va néixer dos anys abans que ell, i com és sabut va convertir-se en el principal lletrista de la majoria de les seves cançons i comèdies musicals. Gairebé sempre estaven junts i sintonitzaven a la perfecció.
La carrera de pianista de George Gershwin va començar als 16 anys en un establiment de partitures conegut amb el nom de Tin Pan Alley. Allà era pianista demostrador i difusor de temes de caràcter popular. De la seva habilitat depenia l’èxit de les peces, per a ser interpretades i cantades en llocs de bona audiència. L’any 1915 Gershwin seguia les lliçons pianístiques de Hambitzer, qui va aconsellar-li que reforcés la part teòrica amb un músic excel·lent provinent d’Hongria: Edward Kilenyi. Amb ell, analitzaria obres fonamentals d’autors com Beethoven, Haydn, Debussy o Richard Strauss, i sobretot aprofundiria en l’harmonia, els intervals irregulars, la transposició i la instrumentació.
La famosa Rhapsody in Blue es va estrenar el 1924 en un concert que va generar molta expectació: entre el públic hi havia grans noms d’intèrprets, compositors i directors d’orquestra: Jascha Heifetz, Fritz Kreisler, Serguei Rakhmàninov, Leopold Stokowski, Igor Stravinski, Ernst Bloch, Moriz Rosenthal…
El Concert en Fa per a piano i orquestra va ser estrenat només un any més tard: el 3 de desembre de 1925. Fou dirigit per Walter Damrosch, amb l’Orquestra Simfònica de Nova York i el mateix George Gershwin al piano. Era una obra molt compromesa i d’envergadura, fet que va obligar Gershwin a trobar un lloc tranquil i silenciós als afores de Nova York per a escriure-la. La composició del concert es va allargar tot l’estiu i la va acabar a final de setembre. Aquesta és la gran obra concertant de Gershwin, on adapta un llenguatge musical inèdit a la forma rigurosa del concert. Tot això dins d’una escriptura lliure i flexible.
Hi ha molts enregistraments d’aquesta composició, a càrrec de grans pianistes. Entre les primeres versions d’aquesta obra, en trobem dues que van impactar força: la d’Oscar Levant i la de Leonard Pennario. Després en vindrien d’altres. Entre les més recents, m’he decidit per una que trobo realment bona. És a càrrec del pianista canadenc Marc-André Hamelin, amb l’Orquestra Simfònica de la Ràdio de Baviera, dirigida per Leonard Slatkin.
Jordi Cervelló
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EL CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA DE GERSHWIN
George Gershwin es uno de los compositores más emblemáticos de los Estados Unidos. Pertenecía a la generación de los Copland, Barber, Piston, etc. y fue el creador de la gran ópera norteamericana con ‘Porgy and Bess’, una verdadera obra de arte. Su catálogo es muy singular y distinto al de otros autores. Contiene numerosas y muy bellas canciones de corte ligero, obras escénicas y teatrales, música de películas y también piezas sinfónicas que ocupan un lugar muy concreto.
Cuando tenía 21 años ya escribió un cuarteto de cuerda, que estrenaría el Juilliard Quartet. La famosa Rhapsody in Blue, para piano y orquesta, fue escrita en 1924 y en 1926 escribiría el poema sinfónico ‘Un americano en París’. Su ‘Segunda Rapsodia para piano’ aparecerá en 1931 como encargo de la Sinfónica de Boston, y en 1934 las ‘Variaciones sobre I Got Rhythm’. Su gran ópera en tres actos ‘Porgy and Bess’ es de 1935.
El Concierto para piano y orquesta en Fa, que es la obra que destaco en este artículo fue compuesto en 1925, y le sirvió para adquirir un oficio muy sólido en lo que se refiere a la orquestación, además de ser una de las partituras más representativas del llamado “jazz sinfónico”.
Gershwin nación en Nueva York en el año 1898 y murió prematuramente en 1937. Era hijo de inmigrantes judíos rusos de San Petersburgo. Su padre se llamaba Morris Gershovitz y la madre Rose Bruskin. Emigraron a Estados Unidos hacia 1890 y contrajeron matrimonio cinco años más tarde, en 1895. Su padre cambió su apellido por el de Gershwin. El hermano de George, Ira, nación dos años antes y como es sabido fue el principal letrista de sus canciones y obras escénicas. Casi siempre estaban juntos, con una sintonía total.
La carrera como pianista de George Gershwin empezó a los 16 años, en un establecimiento de partituras conocido con el nombre de Tin Pan Alley. Gershwin era pianista demostrador y difusor de temas musicales de carácter popular. De su habilidad dependía el éxito de las piezas, que posteriormente serían interpretadas y cantadas en lugares de buena audiencia.
En 1915 Gerhswin seguía las clases de piano del profesor Hambitzer, quien le aconsejó que reforzara la parte teórica con un músico excelente procedente de Hungría: Edward Kileny. Con éste, analizaría obras fundamentales de autores como beethoven, Haydn, Debussy o Richard Strauss. Pero sobretodo profundizaría en la armonía, los intérvalos irregulares, la transposición y la instrumentación.
La famosa ‘Rhapsody in Blue’ se estrenó en 1924, en un concierto que generó mucha expectación, ya que entre el público se hallaban intérpretes, compositores y directores de orquesta: Jascha Heifetz, Fritz Kreisler, Sergei Rachmáninov, Leopold Stokowski, Igor Stravinsy, Ernst Boch, Moriz Rosenthal…
El ‘Concierto en Fa’ para piano y orquesta fue estrenado al año siguiente, el 3 de diciembre de 1925. Fue dirigido por Walter Damorosch, con la Orquesta Sinfónica de Nueva York y el mismo Gershwin al piano. Al ser una obra muy comprometida y de envergadura, Gershwin se trasladó a un lugar tranquilo y silencioso para escribirla, a las afueras de Nueva York. La composición del concierto se alargó todo el verano, para finalizarlo a final de Septiembre. Es la gran obra concertante de Gershwin, que adapta un lenguaje musical inédito, a la forma rigurosa del concerito, a través de una escritura libre y flexible.
Han sido numerosas las grabaciones que se han realizado de este concierto desde su estreno, a cargo de los más grandes pianistas. Oscar Levant y Leonard Pennario fueron los primeros. Luego vendrían muchos otros de todas las nacionalidades. Entre las grabaciones más recientes, hay una que destaca por su discurso auténtico y muy musical. Me estoy refiriendo al que realizó el pianista canadiense Marc-André Hamelin -con una brillante carrera en los Estados Unidos y muy conocedor de la obra de Gershwin-, junto la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, dirigida por Leonard Slatkin.
Aquest podria ser el títol d’una obra de teatre. He estat donant voltes al tema dels hereus i observo que entre ells hi ha coses en comú. Sobretot si es tracta d’hereus de gent vinculada al món de la música, que ja de per si és un camp una mica especial, més quan els hereus sovint no saben res de solfa.
Sigui com sigui, la seva reacció és gairebé sempre la mateixa quan se’ls contacta, interessats per l’obra o el llegat del músic en qüestió. D’entrada, una gran emoció quan els truques, i reaccions semblants: “i com han aconseguit localitzar-me, si no sóc especialista en música…“, o bé “no sap com l’estimàvem…“, i de seguida surt una vena de generositat “encara tenim el seu piano, però si sap d’algú a qui li pogués interessar fins i tot li podríem regalar…“. Sembla que allò que havien anar acumulant durant anys tenia interès… “nosaltres no entenem de música i no sabem si tots els fulls amb notes tenen algun valor…; també tenim moltes cartes i fotos, però no sabíem què fer-ne: l’estiu passat vam omplir un sac de programes i retalls de diaris, que vam llençar perquè necessitàvem lloc per a una filla nostra“. Però aquí no acaba la cosa: “Ah! Recordo també que fa uns tres anys, quan feia poc temps que havia mort, vàrem llençar també moltes cintes de música, a més de discos de vinil. Com que no sabíem què hi havia, vam pensar que la millor opció era portar-los a un d’aquells llocs especials. I recordo que fins i tot ens van pagar algun “dineret”. El que sí que tenim és alguna corbata i un jersei. Espera, ara recordo que també vàrem guardar una agenda on apuntava el dia a dia, on feia dibuixets que feien molta gràcia als nostres nens…“.
En estimació no hi ha qui els guany: “L’estimàvem tant! No pot imaginar-s’ho. El dia que va morir fins i tot vàrem plorar tots a la vegada. I no sap com li agraeixo el seu interès. Fa poc van venir també uns senyors de Suïssa i recordo que gairebé es van enfadar…, mai vam saber el motiu. Un d’ells ens va dir que era director de no sé què i l’altre tocava el violí“.
“Doncs no sap l’alegria que ens ha donat vostè ara, més encara si diu que l’havia conegut,
l’avi. Li puc ensenyar els fulls on hi ha notes però veuran que estan tacats de cafè. A la meva dona li va caure la cafetera a sobre, i va tacar alguns fulls. N’hi ha tres o quatre, però, on no hi va caure ni una gota. El que sí que podem fer és regalar-li el piano, sempre i quan vingui algú que es faci càrrec del transport. Ah! També li podem donar la corbata si li fa il·lusió. Bé, senyor Recasens, ha estat un plaer coneixe’l…“.
Aquests dies estic rastrejant el portal YouTube i escoltant dones violinistes de temps passats. A la majoria d’elles les conec, algunes de gran personalitat, com la malaurada Ginette Neveu, Johanna Martzy o Ida Haende, retirada ja fa anys. També sabia de Roza Fain, però no l’havia escoltat mai.
Gràcies a YouTube, moltes vegades m’he trobat amb veritables sorpreses. Precisament aquest matí he pogut escoltar alguns enregistraments de Roza Fain, nascuda a Odessa el 1929 i deixeble de David Oistrakh. La sorpresa ha estat majúscula. No m’esperava una violinista tan prodigiosa. He escoltat solos de Wienieawski, el Concert per a violí i orquestra núm. 2 d’aquest compositor, amb el que va guanyar el Concurs Wieniawski de Polònia de 1957, i un enregistrament més recent de la Introducció i Rondo Capriccioso de Saint-Saëns, que interpreta al costat de la Filharmònica de Moscou, dirigida per Kiril Kondrashin. Precisament ha sigut amb la interpretació que fa d’aquesta obra on he tingut una de les impressions més fortes d’aquests darrers anys. No podia creure’m el que estava escoltant. Ja en les dues primeres corxeres del seu malenconiós tema, he percebut que quelcom molt especial esdevindria al llarg de la partitura. I així ha estat. De cap manera m’esperava una interpretació tan i tan bona. Em preguntava: és possible un violí tan comunicatiu? És un violí que parla? Existeixen els miracles? En música, sí. Exagero? No ho sé, potser és l’edat.
La conjunció tècnica i musical és perfecte. Roza Fain és abans que res una gran artista, que ha encertat el seu instrument al que dóna vida amb tota la bellesa que un violí pot aconseguir. Equilibri per damunt de tot, per després cantar de manera infalible, amb un gust suprem i celestial. El seu arc és de cotó en els moments melòdics i d’un arrapament equilibrat en tota la seva extensió.
És evident que l’ensenyament del seu gran mestre, David Oistrakh, ha tingut la seva influència, però cal dir que Roza Fain ja estava predestinada a ser violinista. Acabo amb una lloança de l’orquestra i el director. L’acompanyament orquestral és un dels millors que he sentit mai. Kondrashin, mort el 1981, dóna tota una lliçó de com acompanyar amb la seva Filharmònica. Dúctil, potent, precís, ho té tot. De debò. No exagero.
Jordi Cervelló
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ROZA FAIN
Estos días estoy rastreando el portal de YouTube con el fin de escuchar mujeres violinistas de tiempos pasados. A la mayoría de ellas las conocía. Me gustaban mucho Ida Haendel, Ginette Neveu o Johanna Marzy, las tres de gran personalidad. También sabía de la existencia de Roza Fain, aunque no la había escuchado hasta ahora. No es fácil encontrar grabaciones suyas pero gracias a YouTube disponemos de algunas.
Roza Fain nació en Odessa en 1929 y fue discípula de David Oistrakh. La sorpresa al escuchar alguna de sus grabaciones ha sido mayúscula. No esperaba una violinista tan prodigiosa. He escuchado solos de Wieniawski y también su Concierto para violín y orquesta nº2, con el que Fain ganó el Concurso Wieniawski de Varsovia en 1957. Ha sido sin embargo la grabación de la ‘Introducción y Rondó Caprichoso’ de Saint-Saëns, realizada unos años más tarde lo que más me ha impactado. La orquesta era la Filarmónica de Moscú, dirigida per Kiril Kondrashin. Descubro con asombro a una violinista enorme, ya desde el mismo inicio de la obra: las dos primeras corcheas me hacen pensar que algú ocurrirá. No me equivoco. La obra avanza y la emoción va en aumento. ¿Cómo es posible un violín tan comunicativo? ¿Un violín que habla? ¿Acaso existen los milagros? En música, sí. ¿Exagero? No lo se, quizá es la edad.
La conjunción técnicomusical de Roza Fain es perfecta. Ante todo es una gran artista que ha acertado el instrumento. Le da vida y obtiene toda la belleza capaz de obtener de un violín. Equilibrio por encima de todo para después cantar de una manera infalible, con un gusto supremo y una calidad que llega a lo celestial. Su arco es como de algodón en los momentos melódicos y de un arrobamiento equilibrado en toda su extensión. Evidentemente, las enseñanzas de David Oistrakh tuvieron su influencia, pero creo que Roza Fain ya estaba predestinada a ser violinista.
Para concluir, una alabanza a la orquesta y al director. ¡Qué acompañamiento! Sin duda, uno de los mejores que haya podido escuchar. Kondrashin, que murión en 1981, junto a “su” Filarmónica, ofrece una auténtica lección de como acompañar a un solista. Dúctil, potente y preciso. Lo tiene todo. Pensad en ello.
Jordi Cervelló 