Notes des de la banqueta del pianista

 

Boris Berman

Avui vull comentar un llibre escrit pel prestigiós pianista rus Boris Berman. Un gran intèrpret, que va ser deixeble de Lev Oborine, un dels creadors de l’escola moderna russa de piano. Berman va néixer a Moscou l’any 1948. Actualment és el Director del Departament de piano de l’Escola de Música de Yale i té una àmplia discografia. Doncs bé les seves Notes des de la banqueta del pianista és un llibre excel·lent, pel seu rigor i per l’estímul que provoca. Les seves opinions i recomanacions són claríssimes i aclaridores, de tants problemes que comporta la interpretació pianística. Penso, a més, que si per una banda és un treball per a pianistes, també ho pot ser per a altres intèrprets en general, ja que bona part del seu contingut fa referència a qüestions musicals que serveixen per a tot intèrpret. Berman parteix d’una base que trobo molt encertada: “tècnica i interpretació” no s’han de separar, ja que són dos conceptes associats. El treball tècnic ha de tenir com a finalitat l’aspecte musical, així com les idees més sublims necessiten d’una bona tècnica per posar-les en pràctica. Aquesta reciprocitat és realment un estímul per a l’estudiant, ja que abordarà els exercicis o estudis de mecanisme pensant en una bona sonoritat. Berman parla del “so”, ja que segons ell són molts els professors i els deixebles que ometen aquest element fonamental en el sentit més ampli. Els professors diuen “canta”, “treu un bon so”, però no diuen com aconseguir-ho. Que puc fer per tal que les mans cantin o canviï el color? Berman esmenta diferents exemples. Intentaré fer un resum dels seus consells sense entrar massa en detalls.

Per exemple, quan es refereix al so ens parla de la pulsació dels dits sobre el teclat. Sobre el pes que es descarrega sobre la tecla (dits, mà, avantbraç i braç); sobre la velocitat en que els dits toquen les tecles i la seva profunditat. És a dir, distingir un atac de menys a més profund, amb la posició adequada dels dits. Aquest ha de percudir tan sols amb la superfície del dit, en contacte amb la tecla, perquè sigui dur i directe, mentre que per a un so càlid i cantabile els dits adoptaran una posició més plana. Expressar com ho he fet evidentment que no és cap descobriment, però sí que ho serà en el moment que Berman comenta fragments diversos de Debussy, Messiaen, Liszt, Chopin…

Sobre el fraseig i l’articulació diu el pedagog que és una de les expressions musicals a les que no es dediquen l’atenció suficient. En primer lloc, la claredat en que s’ha d’escoltar cada nota. Les diferències entre els atacs i el grau de separació entre les notes. Diu que el “tempo” és un dels pilars de la interpretació. La música es desenvolupa en el temps i el ritme serà la base de tota la composició musical. Recordo que Mozart va tenir moltes enrabiades per qüestions rítmiques. Berman diu que un bon intèrpret ha de tenir un control absolut sobre els aspectes rítmics d’una interpretació i que mai s’ha de traduir en rigidesa sinó en estabilitat rítmica.

Al pedal hi dedica un capítol sencer ple de suggeriments. S’utilitza com enriquiment del so, ja sigui per produir un bon “legato”, per intensificar alguns accents rítmics, per un just equilibri dinàmic, pel diferent tracte que s’ha de donar a una melodia, si és ascendent o descendent, el pressionar-lo parcialment… Sobre l’abús del pedal esquerre, diu que cal tenir molt en compte que els pedals indicats per Beethoven, i més tard per Schumann, en aquells pianos, el so s’apagava més ràpidament que en un piano modern.

En el capítol “Descifrando el mensaje del compositor”, diu que la tasca de l’intèrpret no implica pròpiament un treball creatiu en el sentit literal, sinó de “recreació”. Descobrir les intencions del compositor i plasmar-les de la millor manera possible. Considera que la creativitat de l’intèrpret es manifesta en l’àrea de l’expressivitat, a l’hora de trobar sensacions adequades.

Berman dóna nombrosos consells als estudiants i per tant es imprescindible tenir el llibre a mà, ja que jo he fet una simple ullada, que només serveix com a aproximació. Acabo amb dos consells que m’han semblat molt interessants. Diu que una de les malediccions dels pianistes és la necessitat constant d’adaptar-se a un piano desconegut en cada concert. Això l’obliga a familiaritzar-se i acomodar-se amb l’instrument amb el que ha de tocar. Aconsella també que durant els dies anteriors a l’actuació és preferible no estudiar sempre amb el mateix piano, ja que podem trobar-nos que el de la sala de concerts sigui més o menys dur, més o menys brillant.

Boris Berman és un gran especialista en la música de Prokofiev, i d’aquest autor té enregistrada tota la seva obra per a piano per al segell Chandos. El llibre que he comentat avui ha estat editat per l’Editorial Boileau de Barcelona.

Jordi Cervelló

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NOTAS DESDE LA BANQUETA DEL PIANISTA

Éste es el título de un libro escrito por el prestigioso pianista ruso Boris Berman. Un gran intérprete, discípulo de Lev Oborin, uno de los creadores de la escuela rusa moderna para piano. Berman nació en Moscú el año 1948. Actualmente es el director del Departamento de piano en la Escuela de Música de Yale, y tiene amplia discografía.

Pues bien, su libro es excelente por su rigor y por el estímulo que provoca. Sus opiniones son clarísimas y esclarecedoras de los tantos problemas que comporta la interpretación del piano. Pienso además que no solo es útil para los pianistas sino también para los intérpretes en general, ya que buena parte del contenido se refiere a cuestiones estrictamente musicales.

Berman parte de una base que encuentro acertadísima: “técnica e interpretación” no deben separarse ya que son dos conceptos asociados. El trabajo técnico debe de tener su meta en lo musical, así como las ideas más sublimes necesitan de una buena técnica para ponerlas en práctica. Esta reciprocidad es realmente un estímulo para el estudiante, ya que abordará los ejercicios o los estudios de mecanismo, pensando en una buena sonoridad.

Berman habla del “sonido” ya que según él son muchos los profesores y discípulos que omiten lo que es un elemento fundamental en el sentido más amplio. Los profesores dicen “canta”, “saca buen sonido”, pero no explican como conseguirlo. ¿Qué he de hacer para que las manos canten o cambien de color?

Según la obra a ejecutar resumiré lo que aconseja sin entrar demasiado en detalles: refiriéndose también al sonido nos habla de la pulsación de los dedos sobre el teclado. Sobre el peso que se descarga sobre la tecla (dedos, mano, antebrazo y brazo), sobre la velocidad en que los dedos toquen las teclas y la profundidad. Es decir, saber distinguir un ataque de menos a más profundo, con la posición adecuada de los dedos. Éste debe percutir solo con la superficie del dedo en contacto con la tecla, para que el sonido sea duro y directo mientras que para un sonido cálido y cantabile los dedos adoptarán una posición más plana. Expresado como lo he hecho yo no dice gran cosa, pero sí es indispensable de la manera como lo expresa Boris Berman, a través de varios ejemplos de fragmentos de piezas de Debussy, Messiaen, Beethoven, Liszt o Chopin.

Sobre el fraseo y la articulación, dice el pedagogo ruso que son expresiones musicales a las que no se dedican la atención suficiente. En primer lugar, la claridad en que debe de escucharse cada nota, las diferencias entre los ataques y el grado de separación entre las notas. Sobre el “tempo”, es uno de los pilares de la interpretación. La música se desarrolla en el tiempo y el ritmo será la base de toda composición musical. Recuerdo que Mozart tuvo duras batallas por cuestiones rítmicas. Berman dice que un buen intérprete debe tener un control absoluto sobre los aspectos rítmicos de su interpretación y que nunca debe traducirse en rigidez sino en estabilidad rítmica.

Al pedal le dedica un capítulo entero, lleno de sugerencias. Se emplea el pedal básicamente como enriquecimiento del sonido. Sea para producir un buen “legato”, para intensificar algunos acentos rítmicos, para un justo equilibrio dinámico, su trato según si la melodía es ascendente o descendente, presionarlo parcialmente, del abuso al empleo del pedal izquierdo, tener muy en cuenta los pedales indicados por Beethoven y luego por Schumann el sonido del piano se apagaba con mayor rapidez que con un piano moderno…

En el capítulo “Descifrando el mensaje del compositor”, dice que la labor del intérprete no implica un trabajo propiamente creativo en el sentido literal sino de “recreación”. Descubrir las intenciones del compositor y plasmarlas lo mejor posible. Considera que la creatividad del intérprete se manifiesta en el área de la expresividad, en encontrar sensaciones adecuadas.

Berman da numerosos consejos para los estudiantes, lo que se aconseja tener libro en mano ya que lo que yo he procurado comentar es solo una pequeña mirada al libro. Acabo con dos consejos que me parecen interesantes. Dice que una de las maldiciones del pianista es la necesidad constante de adaptarse a un piano desconocido en cada concierto. Ello obliga a familiarizarse y acomodarse con el instrumento en que hemos de tocar. Aconseja también que durante los días anteriores a una actuación es preferible no estudiar siempre con el mismo piano, ya que podemos encontrarnos que el de la sala de conciertos sea más o menos duro, más o menos brillante.

Boris Berman es un especialista en la música de Prokofiev y tiene grabada todas las obras para piano solo con el sello discográfico “Chandos”. Este libro de 220 páginas acaba de ser publicado por Editorial de Música Boileau de Barcelona.

Jordi Cervelló

 

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