Kandinsky

Vasily Kandinsky (1866-1944) sintió especial conexión con el arte primitivo, por las costumbres de pueblos lejanos y en especial con el pueblo “komi”. Sus visiones místicas sobre lo oriental, al igual que lo que sintiera Igor Stravinsky, pero también en otros pintores como Gauguin, Picasso, Klee. El arte de los campesinos rusos y de las estepas asiáticas. Los chamanes penetraron en el espíritu de Kandinsky y parte de la producción de los años 20 son símbolos de los chamanes siberianos. En sus formas ovales y jeroglíficos abstractos abundan las referencias. Por ejemplo una curva con un gancho y una línea era el símbolo del caballo…los círculos representaban el sol o la luna…Era un “neoprimitivismo” que se convirtió en un material precioso entre lo viejo y el arte abstracto. Es importante señalar la importancia que tenía el “caballo” como símbolo del legado asiático debido a las constantes invasiones de jinetes nómadas de la estepa modificando incluso el camino de la historia rusa. Pushkin ya dijo en El jinete de bronce: “¿Hacia  dónde galoparás, orgulloso corcel? ¿Dónde se detendrán los golpes de tus cascos?”. Sentir los fuertes galopes de los cascos de los caballos en la estepa asiática bajo sus pies era un sentimiento que los rusos sentían a edad muy temprana.

Kandinsky estudió derecho y economía junto a clases de pintura y dibujo. A los 30 años se traslada a Munich renunciando a un porvenir académico consolidado para profundizar la pintura en la Academia de esta ciudad con Franz von Stück. Luego abre su primer taller como pintor. Entre 1902 y 1907 realiza varios viajes por Francia, Paises Bajos, Italia y también su Rusia para instalarse en Murnau donde le permitió pintar paisajes alpinos ( 1908-1910). Pero a finales de 1910 su continua e infatigable experimentación produjo una conquista definitiva por lo que se refiere a la abstracción. Refunde la libertad cromática de los fauvistas con el impulso vivencial de los expresionistas alemanes de la ciudad de Dresde. De 1910 y 1914, el mismo Kandinsky agrupó sus obras en tres categorías: “Impresiones inspiradas en la naturaleza; improvisaciones, expresión de emociones interiores y composiciones intuitivas pero con rigor intuitivo”.

En 1911 funda junto a Frank Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando exposiciones en Berlín y Munich. En 1914, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Moscú con una misión de primerísima categoría. Enseñar en la Academia de Moscú y ser director del Museo de Cultura Pictórica. Poco más tarde se incorporó en la Bauhaus hasta que en 1933 fue clausurada por los nazis. Seguiría trabajando he hizo obras de gran excelencia experimentando con trazos circulares y concéntricos. Luego se instaló en Francia y se estableció definitivamente en París.

PINTURA Y MÚSICA

Kandinsky estaba también obsesionado con la música. Y no fue un caso único ya que para otros colegas suyos, también grandes pintores, lo musical era fuente de inspiración. Basta recordar a Dufy, Chagall -con sus violines flotando en el aire- o Paul Klee, que muchos ignoran que fue un excelente violinista profesional. Kandinsky dijo una frase significativa en el año 1913: “Los violines, los profundos tonos de los contrabajos y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mi toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos los colores en mi mente. Líneas salvajes, casi enloquecidas, se dibujaron frente a mi”.

Efectivamente, cuando observo sus cuadros siempre pienso en música. Muchos de ellos son como “abstracciones musicales”. Sus líneas y su bella geometría siempre en acción huele a partitura musical.  Sus cuadros desprenden música, una especie de “moto perpetuo”.

He aquí algunos ejemplos extraordinarios: Pareja a caballo (1906), Paseo en barca (1910), Fuga (1914), Composición con triángulo azul (1922) o Algunos círculos (1926).

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Pareja a caballo

Diaghilev

Serguei Diaghilev (1872-1929), empresario, director artístico y crítico de arte, fue un personaje único y un hombre clave en la evolución del ballet del siglo XX. Con sus Ballets Rusos, aglutinó los mejores bailarines y coreógrafos, pintores y compositores de su tiempo. Balanchine, Fokine, Massine, Nijinsky… Benois, Braque, Matisse, Picasso… Stravinsky, Ravel, Debussy, Falla, Satie. Diaghilev tenía la particularidad de agrupar talentos y estimular sus capacidades creativas. Un genio. Renovó por completo el mundo de la danza clásica y la convirtió en un espectáculo de gran poder artístico. Además, fue un “descubridor” de artistas jóvenes que luego fueron personajes de la más alta categoría. Su unión con el bailarín y coreógrafo ruso Michel Fokine fue providencial, ya que éste pudo poner en práctica su idea de una unidad total entre la danza, la música, el argumento, la escenografía y el vestuario.

Y fue con el bailarín ruso Vaslav Nijinsky con el que consiguió la estruendosa e impactante interpretación del estreno de La consagración de la primavera de Stravinsky, en París, el año 1913. Nijinsky, con una exótica e innovadora coreografía, empujó a los bailarines hacia una danza frenética, salvaje, desenfrenada en la que exaltaba el rito de la fecundidad de la tierra, con la sublimación del hombre con la naturaleza.

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Diaghilev, retratado por Valentin Aleksandrovich Serov

Stravinski

Igor Stravinski (1882-1971), discípulo de Nikolai Rimsky-Kórsakov, fue un verdadero revulsivo, tanto en Rusia como en el resto del mundo musical. Su primera obra importante fue el ballet El pájaro de fuego, un auténtico revulsivo, que escribió con tan solo 28 años. Este primer ballet que Stravinski realizó para los Ballets Rusos tiene su historia. Dos etnógrafos realizaron un trabajo extraordinario sobre la música folklórica. Fueron Yuri Melgunov y Evgenia Lyniova. Hacia la década de 1870, Melgunov, además de etnógrafo, pianista y filólogo, exploró los cantos de la provincia de Kaluga, descubriendo armonías polifónicas de la canción campesina rusa, que transcribió gracias a un serio método científico. Evgenia Lyniova, confirmando los hallazgos de Melgunov, fue grabando en un fonógrafo los diversos cantos campesinos, que posteriormente fueron publicados en el libro Canciones campesinas de la gran Rusia según la armonización folklórica”, editado en San Petersburgo durante los años 1904 y 1909. Esta obra ejerció influencia muy directa en la música de Igor Stravinski, especialmente en El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera. La mayoría de compositores antes que Stravinski, efectivamente, se inspiraron en el folklore ruso, pero de manera temática y en cuanto al estilo. Además de la melodía, también en la armonía e incluso ritmos.  Mussorsgky ya había recogido elementos del más puro folklore, inspirado en las descripciones que Alexander Afanasiev hizo del Sabbath, la reunión de los brujos en su Noche en el monte pelado. Afanasiev estaba obsesionado con la visión del mundo que tenían los antiguos eslavos, sus rituales y también sus creencias.

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Stravinski junto al bailarín Nijinski

Moscú, centro artístico

A partir del año 1917, Moscú adquirió mayor importancia artística. Se convirtió en el taller de la vanguardia. Lucharon para convertir la gran ciudad en una nueva sociedad artística y plural. Fue como entrar en un nuevo mundo. Se renovó la ciudad, se realizó la plaza de la revolución y el museo dedicado a Lenin se convirtió en el altar sagrado de la revolución. Por otra parte, se derribaron iglesias, las casas de madera e incluso se planeó derribar la Catedral de San Basilio. Así pues, durante gran parte del siglo XX, Moscú seguiría siendo la “ciudad madre”, como ya lo había sido anteriormente.

Fue después de la Revolución de 1905, cuando el gobierno ruso modificaría su política. Con Piotr Stolypin, primer ministro entre 1906 y 1911, se dividió la comuna aldeana y alentó a los campesinos más fuertes para que construyeran granjas privadas y al mismo tiempo a que ayudarán a los más débiles a cultivar la tierra. Además, las nuevas leyes de la propiedad privada, provocó que marcharan a trabajar a las ciudades. Se trataba de la decadencia del campesinado, tan poblado, sobretodo en la Rusia Central. Fueron millones los campesinos que se vieron obligados a abandonar la tierra, en medio de una terrible pobreza. Sin embargo, los más jóvenes veían en la ciudad un camino hacia la independencia y una proyección. Incluso llegaron a despreciar la aldea, por considerarla un mundo paralizante, además de anticuado. Aquello fue la base sobre el que se construyó el bolchevismo. Pero la revolución pronto anularía la nueva situación.

A principios del siglo XX entra en escena Serguei Diaghilev. Fue en 1909 cuando encargaría una obra a Anatole Liadov, a partir del libreto de El pájaro de fuego, para ser interpretado por los Ballets Rusos. Liadov se negó. Diaghilev ofreció entonces el encargo a otros dos compositores, Glazunov y Cherepnin, que tampoco aceptaron. Finalmente, recorreía a un joven compositor ruso: Igor Stravinski, en aquel entonces todavía desconocido.

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Diaghilev y Stravinsky

El teatro

También el teatro privado pasó a mejor manos tras el levantamiento del monopolio estatal de 1882. Dos mujeres actrices fundaron sendos teatros: Maria Abramova funda su propio teatro con la ayuda de varios mecenas estrenando El demonio de madera (1889) de Chejov y en la primera década de 1900, otra célebre actriz Vera Komissarzhevskaya sería la dueña de un teatro privado en San Petersburgo. Sin embargo el más importante de todos sería el Teatro de las Artes de Moscú fundado por Vladinir Nemirovich-Danchenko y Konstantin Stanivlaski en el año 1898. En este teatro se estrenaron las últimas grandes obras de Chejov. En su inauguración se presentaron dos grandes obras: El zar Fiódor de Tolstoi y La gaviota de Chejov escrita dos años antes.

Stanislawsky nació en Moscú el año 1863 y murió en 1938 en el seno de una familia de comerciantes. Su abuela materna era la actriz francesa Marie Varley que se convirtió en una estrella en el Teatro de San Petersburgo. Stanislawsky de joven participó en las producciones de aficionados del grupo de Mamontov. Mientras en la música, el vestuario y los decorados el nivel era profesional, no así por lo que a los actores se refiere. Entonces, Stanislawsky tomó una decisión fuera de lo normal. Dedicarse a prepararse como actor Para ello se le ocurrió ponerse delante de un espejo donde pasaba horas y horas mientras iba haciendo todo tipo de gestos con la cabeza, las manos, los brazos y toda una variedad de expresiones y muecas con la obsesión de obtener el máximo naturalismo. Fueron varios años de lucha que se convirtieron en un conocido tratado conocido como El Teatro del método. Y este consistía en “actuar sin actuar” que se adecuaba perfectamente con el teatro de Chejov. Posteriormente el método todavía abarcó más con una serie de técnicas que ayudaban al actor a transmitir pensamientos y emociones interiorizadas, técnicas basadas en recordar intensas experiencias de la vida del propio actor.

Hubo un joven y original mecenas llamado Nikolai Riabushinski  que se hizo famoso por sus extravagancias. Entre los años 1908 y 1910 promocionó artistas de vanguardia a través de una publicación titulada El vellocino de oro además de exposiciones.

De este nuevo movimiento surgió una asociación que se llamaba La Rosa Azul que aglutinaba un buen número de pintores simbolistas de Moscú junto con escritores y con la figura del que fue extraordinario compositor Alexander Scriabin (1872-1915).  Su objetivo era lograr “una síntesis entre pintura, poesía, música y religión y la filosofía”. Riabushinski fue también el fundador de famosas exposiciones bajo el título La Jota de Diamantes entre 1910 y 1914. Entre los pintores se hallaban – todavía jóvenes – nombres como el de Kandinsky, Malevich, Goncharova, Larionov,  Rodchenko o Tatlin-. A ellos les gustaba provocar y un ejemplo fue que decoraban sus propios cuerpos desnudos mientras se paseaban como obras de arte por las calles de Moscú. Era una guerra contra la tradición realista. Volviendo al compositor Scriabin es necesario subrayar que fue un compositor único. Un experimentador nato. Fue inventor de nuevas armonías y amante de la filosofía oriental. Pau Casals lo conoció en el año 1914 y quedó admirado por su arte pleno de invención y de una sensibilidad muy especial. Dijo que Scriabin sentía la música con colores cambiantes así como sensaciones de gusto y olor. Sus primeras obras datan de la década de los 90 que publicó el editor Belayev que se convirtió además en su mecenas. Escribió sonatas para piano y preludios hoy en repertorio de todos los pianistas. Scriabin es muy conocido por su maravilloso Poema del éxtasis para orquesta que se estrenó en Nueva York el año 1908 y que hoy es obra habitual del repertorio sinfónico. Su amistad con el director Serge Koussevitzky fue providencial.

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Alexander Scriabin

Mamontov

Savva Mamontov  (1844-1927) fue otro gran mecenas que colaboró de manera extraordinaria a definir el nuevo estilo moscovita. Este personaje, magnate de los ferrocarriles, no sólo era un gran comerciante sinó también un excelente artista, por mérito propio.

Nació en Siberia. De pequeño se trasladó a Moscú, donde su padre era el principal inversor de la construcción de vías de ferrocarril. Su pasión por el pasado de Moscú era enorme y tuvo una gran influencia sobre las ideas populistas que iban surgiendo. Más adelante, en 1864, después de una enfermedad, marchó hacia Italia. Allí aprovechó para estudiar canto y también composición. De vuelta a Moscú, entre 1870 y 1880, recuperará la era de la pintura medieval rusa. “El arte tenía que servir para la educación de la masa”, dijo en varias ocasiones.

A su esposa, Elizaveta, también le atraían las nuevas ideas artísticas y así, en 1870, ambos adquirieron la vivienda Abramtsevo, en medio de bosques cercanos a la región de Sergiev Posad, cerca de Moscú. Allí organizaron una colonia artística con varios talleres, donde se trabajarían las artesanías campesinas locales, además de fabricar toda clase de objetos artesanales, que se venderían posteriormente en Moscú. Fue el punto de encuentro de grandes artistas que aprendían las técnicas manuales del campesinado, para asimilar aquellos estilos y adaptarlos al suyo propio. Estuvieron en los talleres de Abramtsevo figuras como Korovin, Polenova, Vrubel, Serov, Repin y Hartmann, el amigo de Mussorsgky, que pasó por allá un año antes de su muerte.

A Chejov, que tenía un gran sentido del humor, le gustaba burlarse de la manía por lo folclórico. Lo plasmó en el cuento “El saltamontes” (1891). Pero al escritor le gustaban estas artes y artesanías, como se puede comprobar hoy en día en el museo de lo que fue su vivienda en Yalta. Chejov era el símbolo de la felicidad en Moscú. Educado como médico tenía la obsesión de buscar ideas de orden práctico en vez de recurrir a la religión o a custiones filosóficas. Trabajó de manera desbordante toda su vida. “Trabajar con el futuro en la mente” decía siempre. Su última obra fue “El jardín de los cerezos” que se estrenó en el “Teatro de las Artes de Moscú”, el año 1904.

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Savva Mamontov, pintado por Ilya Repin en 1878

 

Tretiakov

Fue en la década de 1870, cuando Pavel Tretiakov, el famoso mecenas, construyó una famosa galería de arte, con obras exclusivamente de pintores rusos y en especial  de los llamados Ambulantes, donde se hallaban los entonces jóvenes Ilya Repin e Ivan Kramskoi, que se habían alejado de la Academia de las Artes. El nombre de Ambulantes venía de las exposiciones itinerantes organizadas por la agrupación en aquellos años. Tretiakov comenzó a coleccionar obras de arte en 1850 y durante los treinta años siguientes invirtió más de un millón de rublos en arte ruso. El Museo  Tretiakov llegó a reunir 1.276 cuadros, la mayoría de pintores rusos. Sin el impulso y la ayuda de este extraordinario mecenas, los pintores del grupo de los Ambulantes no hubieran podido sobrevivir. Tretiakov animaba a los jóvenes pintores a pintar paisajes con un realismo directo alejado de la clásica “belleza” paisajista.

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Pavel Tretiakov retratado por Ilya Repin

La Galeria Tretiakov en la actualidad

La Galería Tretiakov es actualmente un centro cultural indispensable. Incluso se afirma que es el museo más famoso de Moscú. Su edificio principal está ubicado en la callejuela Lavrushinsky, donde vivió el propio Pavel Tretiakov. Su característica fachada fue diseñada por el pintor Viktor Vasnestov, siguiendo el típico estilo de los cuentos de hadas rusos. Efectivamente, contemplar la fachada de esta galería nos lleva a un mundo de fantasía asiática, tan frecuente en el arte ruso. Durante la Revolución de 1917 la galería se nacionalizó, y en 1936 fue diseñado un nuevo edificio, a cargo de Alexei Shahusev. Después de la Segunda Guerra Mundial, la Galeria Tretiakov abriría de nuevo sus puertas, además de recibir otras importantes colecciones de pintores rusos: trabajos de Kazimir Malevich, de Marc Chagall, una colección de tapices. También la importante pintura de Victor Vaznestov, enorme cuadro con tres caballeros montados sobre sus caballos, dando una idea de la violencia en la historia de Rusia y su pasado turbulento. Y además, el óleo de grandes dimensiones titulado La apoteosis de la Guerra de Vasily Vereschaguin, una obra impactante que se ha convertido en uno de los emblemas de la Galería Tretiakov. La galería cuenta también con unos maravillosos cuadros del gran Kandinsky, que forman un apartado muy especial. Se pueden contemplar por internet, como también la mayoría de obras que reúne el museo.

La Galería Tretiakov tiene una enorme afluencia: realiza exposiciones temporales, conferencias, conciertos, talleres educativos, talleres para niños… Es un lugar de encuentro y uno de los centros culturales más importantes de toda Rusia.

Galeria Tretiakov

Fachada de la Galería Pavel Tretiakov, obra de Viktor Vasnestov

Apoteosis de la guerra

La apoteosis de la guerra, de Vasily Vereschaguin

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Composición VII, Kandinsky

 

La atracción de Moscú

Moscú despertaba interés generalizado. Nacía sobretodo de un “nuevo estilo ruso”, en especial por parte de escritores, compositores y artistas en general. Querían hacer revivir la historia de Moscú. Ya se ha comentado el acercamiento inesperado de Mussorsgky hacia esta ciudad. No solo él sinó también otros grandes compositores de San Petersburgo.

También aparecieron obras poéticas sobre temas históricos, así como grandes pinturas de los Surikov, Repin, Vasnetsov y Vrubel, que ensalzaban el gran momento de la historia de Moscú durante el siglo XIX. Viktor Vasnetsov fue el primer artista importante que hizo la transición de la pintura realista a las escenas fanásticas e históricas. Se graduó en San Petersburgo, pero Moscú lo marcó. En una carta a Stasov decía: “Cuando llegué a Moscú, sentí que estaba en mi casa. La primera vez que vi el Kremlin y San Basilio los ojos se me llenaron de lágrimas”.

Boris Godunov era la figura central de debate. En la vida real, Boris era el hijo huérfano de una antigua familia boyarda, que había crecido en la corte de Moscú como pupilo del zar Ivan El Terrible. Es importantísima la aportación pictórica que hizo Repin, que captó la escena en una pintura de un realismo sobrecogedor. Los ojos de Ivan El Terrible producen escalofríos.

Ivan El Terrible i el seu fill (detall)

Otro gran pintor, Vasily Surikov (1848-1916) también se refirió a Moscú en la historia de Los Viejos Creyentes. Así se denominaban los últimos rusos “auténticos”, cuya forma de vida no fue perturbada por la influencia europea. Dos grandes cuadros históricos causaron una enorme impresión: La mañana de la ejecución de los streltsy (1881) y Morozova, la esposa del boyardo (1884). Los impactantes rostros de Morozova fueron tomados de personajes reales que vivían en Moscú. Tolstoi se impresionó con esta pintura, y dijo: “El artista los ha captado de una manera espléndida! ¡Parece que estuvieran vivos! Casi puede oírse lo que susurran”.

La historia estaba viva en las calles de Moscú. Creció y se convirtió en el gran centro de comercio durante la segunda mitad del siglo XIX. La clave del espectacular crecimiento se hallaba en las nuevas líneas de ferrocarriles que convergían en la ciudad. Era el centro geográfico entre el este y el oeste, y entre el sur agrario y las recientes regiones industriales del norte.

Chaikovski

Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) fue el más famoso compositor del romanticismo ruso. Chaikovski se sentía tan ruso como sus amigos del Grupo de los Cinco, pero con la mirada a Occidente. Fue un magistral instrumentador, que se inspiraba en el paisaje ruso, la foresta, las estepas, de un pueblo lejano. Su música es lirismo, básicamente. Su obra está centrada en los famosísimos ballets, la obra sinfónica, los conciertos, también la ópera y la música de cámara. Sus poemas sinfónicos son verdaderas obras de arte (Romeo y Julieta, Francesca da Rimini, La Tempestad, Hamlet…). Su incursión en el ballet fue determinante con tres obras maravillosas sea teatralmente como por su inspiración melódica (El lago de los cisnes, La bella durmiente o El Cascanueces, éste último escrito a solo un año de su muerte). Las partituras de Chaikowski son un modelo, por la ligereza que recuerda a Mendelssohn, así como por la perfecta impostación de todos los instrumentos. Su música fluye natural, bella y apasionada.

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El Grupo de los Cinco

Mili Balakirev (1837-1910), compositor autodidacta y figura muy destacada de la segunda mitad del siglo XIX, fue el fundador del Grupo de los Cinco, en San Petersburgo, junto a Cesar Cui, Mussorsgky, Borodin y Rimski-Kórsakov. El grupo lo impulsó una persona extraordinaria: Vladimir Stasov (1824-1906), crítico y académico de gran prestigio, a quien Mussorsgky dedicó los Cuadros de una exposición.

Stasov entró en escena como defensor de la escuela nacional de todas las artes rusas y tuvo un papel crucial en la evolución musical de la segunda mitad del siglo XIX, el gran siglo de la música rusa. Stasov luchaba para que el arte ruso se liberara del dominio europeo. Quería que se inspirara en elementos propios de sus tradiciones. Un arte “nacional”. Stasov y Mussorsgky se conocieron en 1857, cuando el crítico encabezó la revuelta del círculo de Balakirev contra el Conservatorio de San Petersburgo, que estaba dominada por la música alemana de autores como Bach, Haydn, Mozart y Beethoven. En aquellos momentos, el Conservatorio estaba dirigido por Anton Rubinstein, que seguía la educación musical con criterios alemanes. Y Rubinstein estalló cuando vio que el Grupo de los Cinco consiguió el apoyo de la Corte que a él, como director del Conservatorio, se le había denegado. Además, había despreciado la falta de profesionalidad de Glinka, a quien llamaba diletante. En 1862 se fundó la Escuela de Música Libre, como rival directa del Conservatorio. Tenía un objetivo principal: cultivar el talento autóctono. La Escuela se convertiría en el centro conocido como Los cinco poderosos, la kuchka, que defendía el estilo musical ruso. En aquellos inicios, los cinco compositores eran jóvenes: Balakirev tenía 25 años; Cui, 27; Mussorsgky, 23; Borodin, 28; y Rimsky-Kórsakov, apenas 18.

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Vladimir Stasov, retrat d’Ilya Repin

HACIA UN ESTILO PROPIO
La búsqueda del Grupo de los Cinco hacia un estilo propio se basaba en dos características: incorporar a su música lo que escuchaban en las canciones aldeanas, las danzas cosacas y caucasianas, y en los cánticos de las iglesias, pero con una singularidad: el repique de las campanas de las iglesias. Las campanas rusas poseen un sonido muy particular, con una técnica que permite establecer un contrapunto resonante y disonante. A Mussorsgky, Borodin y a Rimsky-Kórsakov les gustaba mucho el ambiente que producían las campanas, y así las incluyeron en sus obras. Borodin, por ejemplo, en El príncipe Ígor. Era la música llamada kuchkista, llena de sonidos tomados de la vida real y que Glinka llamó “el alma de la música rusa”. Balakirev aportó mucho con el estudio de canciones folclóricas de la región del Volga, durante la década de 1860.

ASPECTOS TÉCNICOS
Algunas características de la música de los kuchkistas son:

-Incorporar la escala de tonos enteros: do, re, mi, fa sostenido, sol sostenido, la sostenido y do. Glinka fue uno de los primeros en utilizarla.

-La escala octatónica, que consistía en un tono entero, seguido de un semitono (do, re, mi bemol, fa, sol bemol, la bemol, si doble bemol, do doble bemol), usada por vez primera por Rimsky-Kórsakov, en la Suite sinfónica “Sadko” (1867). Esta escala fue seguida por muchos compositores rusos, y en especial por Stravinsky, en sus tres grandes ballets (El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera).

-Utilización de cuartas y quintas paralelas, procedimiento utilizado también por compositores occidentales e impresionistas, o la heterofonía, que divide una melodía en varias voces disonantes cada una con su propia variación.

Esta sensible y variada organización ya tiene lugar en los Cuadros de una exposición, que sale de las reglas europeas y se expresa con un definido estilo ruso. Es de hecho una Suite que indica mayor libertad también por lo que a la forma se refiere. Mussorsgky nos recrea con distintos movimientos que comienzan con el bellísimo Paseo, movimiento de inspiración folklórica que se irá intercalando y que Mussorsgky escribe “in mode russico”.

También en Sheherezada, de Rimski-Kórsakov, ya que se trata posiblemente de la obra orquestal rusa més célebre de todos los tiempos. Fue escrita en 1888 y está inspirada en distintos episodios de Las mil y una noches. Dividida en cuatro movimientos, atrae ya desde el principio con su clima envolvente, “orientalizado” y unos temas pegadizos y originales. Toda ella se escucha con un placer enorme. Y es necesario decir que esta obra – incluso hoy en día – forma parte del programa de estudios de la mayoría de conservatorios de Rusia, como modelo de orquestación y desarrollo. Hay que recordar que Rimski-Kórsakov escribió un excelente tratado de orquestación que sigue vigente.