Antonio Bazzini

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ANTONIO BAZZINI, VIOLINISTA I COMPOSITOR
 
L’article anterior estava basat en el repertori compositiu simfònic i el seu cercle tancat, especialment en el nostre país. Avui em referiré al repertori per a violí i piano, concretament el dedicat a les sonates. Aquí es produeix un cas força semblant, encara que no tan greu com en el camp simfònic. 
 
No fa gaire vaig escoltar una sonata per a violi i piano d’Antonio Bazzini, compositor nascut a Brescia l’any 1818 i mort a Milà el 1897. Aquest músic va ser un gran violinista i un excel.lent compositor. En aquest àmbit és conegut prácticament per una sola obra de gran virtuosisme: La ronde des lutins (scherzo fantastico), en la que utilitza un cop d’arc anomenat ricochet aconseguint un efecte extraordinari.   
 
És una de les obres preferides dels violinistes, ja sigui dins d’un programa o com a bis. Conèixer a Bazzini tan sols per aquesta obra és no fer-li justícia, ja que té un catàleg amb peces per a diverses formacions, a més d’altres composicions per a violí i piano. Va escriure, per exemple, concerts per a violí i orquestra, un Concert-Stück per a violoncel i orquestra, i quartets de corda, quintets, a més d’obres orquestrals i corals.

Antonio Bazzini era un nom molt important en el seu moment: coneixia Paganini, Mendelssohn, Schumann, Clara Wieck, Rossini, etc. Va ser un dels violinistes més famosos de tot Europa. A més, va ser professor i director del Conservatori de Milà, des de l’any 1882 fins a la seva mort. El va convertir en el millor conservatori d’Itàlia.

Però torno a referir-me ara a la seva Sonata per a violí i piano, opus 55. La vaig escoltar de jove a Milà, quan era jove, i ara no fa gaire l’he tornat a escoltar. La veritat és que la recordava poc i ara, desprès de molts anys, m’ha fet una gran impressió. Quina sonata! Queda molt per descobrir dins del passat musical però també molt per recuperar. Com pot haver quedar en l’oblit una obra com aquesta? I que el nom de Bazzini sigui conegut només per una peça de virtuosisme?

Tot això m’ha fet pensar en una obra d’un altre gran compositor italià, com va ser Giuseppe Tartini. La seva Sonata Il trillo del diavolo, amb l’extraordinària cadència de Fritz Kreisler. Què ha passat amb aquesta partitura única, original i amb un tractament del trino mai escrit fins a aquell moment? Una obra que s’interpretava sovint per obrir un recital de violí i piano, amb el conseqüent toc de màgia?

Observo que a dia d’avui hi han unes preferències massa reiteratives, que al mateix temps limiten un repertori molt ric, com és el de duo de violí i piano. Mozart, i de manera especial Beethoven, Brahms, i Cesar Franck, són els preferits. Altres sonates d’interès inqüestionable han passat a un lloc que no mereixen. Per exemple les de Schumann i Grieg, les de Saint-Saëns i Guillaume Lekeu, un belga que va morir amb tan sols 24 anys, i que als 21 va escriure una sonata deliciosa. En canvi, sí que tenen un cert lloc la sonata de Debussy, la de Ravel, juntament amb la de Richard Strauss. Altres, com la de Respighi o les tres de Georg Enescu han quedat també en un lloc com de trànsit. Les dues de Prokófiev tenen un lloc assegurat, així com les de Bartók, tot i que no tant com les del rus.

Observo que, com en el terreny simfònic, també aquí s’ha anat tancant el cercle i s’ha optat per repetir, en comptes de provocar curiositat, noves sensacions i ser més justos amb compositors de gran vàlua, que no entren en el repertori habitual. De qui és la culpa? D’entrada dels mateixos intèrprets, amb el vist i plau dels programadors que no volen sortir d’un cercle que sembla gairebé tancat.

Recomano escoltar la Sonata op. 55 de Antonio Bazzini en l’enregistrament que he trobat a YouTube i que us hem deixat aquí sota. El duo que l’interpreta està format pel violinista Thomas Christian i el pianista Massimo Palumbo. La interpretació és captivadora.

Jordi Cervelló

 
 
 
ANTONIO BAZZINI , VIOLINISTA Y COMPOSITOR
 
El artículo anterior estaba basado en el repertorio compositivo sinfónico y su círculo cerrado, especialmente en nuestro país. Ahora me referiré al repertorio para violín y piano, y concretamente al de las sonatas, en el que se produce un caso similar aunque quizás no tan grave como en el sinfónico. 
 
No hace mucho que escuché una Sonata para violín y piano de Antonio Bazzini, compositor nacido en Brescia el año 1818 y muerto en Milán en 1897. Este músico  fue un gran violinista y un excelente compositor. En este ámbito es conocido prácticamente sólo por una pieza de virtuosismo que lleva por título “La ronde des lutins” (Scherzo fantástico) donde utiliza un golpe de arco conocido como “ricochet”, con un efecto extraordinario. Es una de las obras preferidas por los violinistas virtuosos que tocan en sus recitales, sea dentro de un programa y especialmente como propina. Conocer a Bazzini solamente por esta obra no me parece justo ni lógico ya que en su catálogo figuran –además de conciertos para violín y orquesta–, un “Concert-Stück” para violonchelo y orquesta, cuartetos de cuerda, quintetos, obras orquestales y vocales.
 
Antonio Bazzini fue un nombre muy importante en su tiempo: conocía a Paganini, Mendelssohn, Schumann, Clara Wieck, Rossini, etc. Fue uno de los mejores violinistas de toda Europa, además de profesor y director del Conservatorio de Milán, desde 1882 hasta su muerte. Convirtió este centro en el mejor de Italia.
 
Vuelvo a referirme a su Sonata para violín y piano op. 55 que recuerdo haber escuchado en Milán hace muchos años. Ahora la he vuelto a escuchar y esta vez me ha causado una impresión extraordinaria. ¡Vaya sonata! Queda mucho por descubrir dentro del pasado musical pero también mucho para recuperar. ¿Cómo puede haber quedado en el olvido una obra semejante? ¿Y que el nombre de Bazzini sea tenido en cuenta únicamente por una obra de virtuosismo?
 
Ello me ha hecho pensar en otra obra de otro gran italiano como era Giussepe Tartini del que antes se interpretaba frecuentemente su famosa sonata “Il trillo del diavolo”, con la extraordinaria cadenza de Fritz Kreisler. ¿Qué ha ocurrido con esta partitura originalísima y que era perfecta como inicio de un programa? 
 
El repertorio actual de sonatas para violín y piano, repleto de obras interesantes está en la onda del sinfónico, es decir, se basa en un grupo de obras que impide el paso a muchas otras que merecerían su lugar, sobre todo para ensanchar esta parcela camerística. Mozart pero sobre todo Beethoven, Brahms y Cesar Franck son los que más se interpretan. Las sonatas de Schumann y de Grieg van a la baja y se escuchan muy raramente. Peor todavía lo tienen las de Saint Saëns o la maravillosa sonata que escribió el belga Guillaume Lekeu, fallecido con tan solo 24 años. En cambio las que sí que tienen su lugar son la de Debussy, Ravel, así como la de Richard Strauss. Otras, como la de Respighi o las tres que compuso Enescu, merecerían ser tenidas en cuenta. Las dos de Prokofiev tienen su espacio, así como también las de Bartók, aunque menos que las del ruso.

Evidentemente todo lo que digo es una aproximación sobre lo que voy observando en nuestro país. Ya los mismos intérpretes no se arriesgan y menos todavía los programadores que ponen reticencias a las obras no habituales. Una actitud que en nada beneficia al duo para violín y piano. Y no se entiende como una Sonata tan bella y perfecta como la que escribió Bazzini haya quedado silenciada en el rincón de los olvidos. Que gran sorpresa fue escucharla casualmente en YouTube, gracias a la versión del excelente violinista Thomas Christian y de un pianista, también excelente, llamado Massimo Palumbo. 
 
Jordi Cervello

Sobre el repertori compositiu

Tippett

Michael Tippett

No em canso de repetir-ho: estic tip de la insistència general en el repertori de sempre, especialment al nostre país, on només són considerades les obres -per descomptat, sobretot les seves grans icones-, d’allò que s’entén com a “grans compositors”. Els altres, molts altres, també grans i de totes les èpoques, són apartats com si mai hagueren existit.

Per no perdre el costum observo les obres programades, difoses en els nostres ambients musicals més representatius. Un exercici tediós: hi apareixen els noms de sempre. El rigor musicològic que seria exigible en la difusió, resta al marge, juntament amb els valors de la imaginació, la curiositat o la originalitat a tota obra creativa.

S’omet una part molt important de la història de la música, i també es dificulta l’accés a l’obra dels autors més recents. De fet, es produeix un empobriment general del llegat musical. S’ha d’interpretar allò que se suposa que vol el públic, el que estableixen les normes actuals del marquèting i el seu màxim eslògan: via fora tot allò que no siguin “grans compositors”! El resultat converteix el que s’anomena “música clàssica” en un museu sonor on només és audible una minsa representació del que existeix.

Penso en el camp literari, també al nostre país. Completament diferent al musical. La literatura està viva. Es reediten obres del passat, es fan noves edicions d’obres més recents i es publiquen llibres d’autors actuals com un fet normal i que dóna vida a un camp tant important com és el literari. No cal dir quina festa s’organitza el dia de Sant Jordi, amb els escriptors amunt i avall signant les seves novetats.

Conec bé les programacions musicals de diversos països europeus i observo que el ventall compositiu, tot i algunes excepcions, és ben diferent. Autors molt reconeguts a la seva època, dels que jo conec la seva obra per haver-la treballat i escoltat, es programen en tota normalitat. Mentre, aquí no arriben.

Un bon exemple pot ser Berlín, on hi han gairebé 10 conjunts, entre els que interpreten repertori simfònic i els dedicats a l’òpera. Una ullada a la programació de la ‘Filharmònica’ que dirigeix Simon Rattle, la ‘Rundfunk-Sinfonie Orchester’ i la ‘Simfònica’ (DSO-Berlin), et porta a un món completament diferent. Obres de tot tipus i de tota mena, conjuntament amb peces del gran repertori. En dues o tres temporades es pot escoltar una representació completíssima que converteix la dita “música clàssica” en un fenomen actual i absolutament viu.

M’he pres la molèstia de fer un llistat d’autors habituals a l’Europa musical, on són escoltats amb tota la normalitat i que aquí son pràcticament desconeguts. Són compositors de gran calat, imprescindibles i que varen escriure durant part o bona part del segle XX. Aquest llistat que us deixo aquí sota és només una representació. No hi són tots els que voldria. De totes formes, serveix com a orientació.

Georges Auric (1899-1983), Samuel Barber (1910-1981), Ernest Bloch (1880-1939), Alfredo Cassella (1883-1947), Carlos Chávez (1899-1978), Frederick Delius (1862-1934), Ernö Dohnanyi (1877-1960), Paul Dukas (1865-1935), Georges Enesco (1881-1955), Karl Amadeus Hartmann (1905-1963), Arthur Honegger (1892-1955), Frank Martin (1890-1974), Bohuslav Martinu  (1890-1959), Darius Milhaud (1892-1974), Charles Ives  (1874-1954), Carl Nielsen (1865-1931), Willem Pijper (1894-1947), Walter Piston  (1894-1976), Francis Poulenc (1899-1963), Guy Ropartz (1864-1953), Albert Roussell (1869-1937), Karol Szymanowski (1882-1937), Heitor Villa-Lobos (1887-1959), George Antheil (1900-1959), Paul Dessau (1894-1979), Ernest Krenek (1900-1991), Silvestre Revueltas (1899-1940), Kazimierz Serocki (1922-1981), Alexandre Tcherepnine (1899-1977), Michel Tippett (1905-1998), Kurt Weill (1900-1950)…

Jordi Cervelló

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Carlos Chávez

SOBRE EL REPERTORIO COMPOSITIVO

No me canso de repetirlo: estoy harto de la insistencia general en el repertorio de siempre. Y me refiero muy especialmente a nuestro país, donde sólo son consideradas las obras – por descontado, sobretodo de sus grandes iconos – aquello que se entiende como “grandes compositores”.  Los otros, muchos otros también grandes y de todas las épocas, son apartados como si nunca hubieran existido.

Para no perder la costumbre observo las obras programadas difundidas en nuestros ambientes más representativos. Un ejercicio tedioso: aparecen los nombres de siempre. El rigor musicológico que fuera exigible en la difusión, queda al margen, juntamente con los valores de la imaginación, la curiosidad o la originalidad a toda obra creativa.

Se omete una parte muy importante de la historia de la música, y se dificulta la obra de los autores más recientes. De hecho se produce un empobrecimiento general del legado musical.  Se ha de interpretar aquello que supone quiere el público, aquello que establecen las normas actuales del marketing y de su máximo eslogan: Fuera todo lo que no sean los “grandes compositores”! El resultado convierte lo que llamamos “música clásica” en un museo sonoro donde solo es audible una escasa representación de lo que existe.

Pienso en el campo literario, tanto de Catalunya como del resto de España. A diferencia de lo que sucede en música basada en un círculo dominante de autores, la literatura está viva. Se reeditan obras del pasado y se publican libros de autores actuales como un hecho normal, que da vida a un campo tan importante como es el literario. En Catalunya solo hay que observar el día de Sant Jordi, que se convierte en una verdadera fiesta literaria, con la participación directa de los autores arriba y abajo firmando sus novedades.

Conozco bien las programaciones musicales de diversos países europeos y observo que el abanico compositivo, salvando algunas excepciones, es bien distinto. Autores muy reconocidos en su época y de los que conozco su obra por haberla estudiado y naturalmente escuchado se programan con toda normalidad. Mientras, aquí, apenas llegan.

Un buen ejemplo puede ser Berlín donde hay más o menos una decena de conjuntos entre los sinfónicos y los dedicados a la ópera. Una ojeada a las programaciones de la “Filarmónica” que dirige Simon Rattle,  la “Rundfunk-Sinfonie Orchester” y la “Sinfónica” (DSO-Berlin), nos lleva a un mundo completamente distinto. Obras de todo tipo, juntamente con las del repertorio habitual. En dos o tres temporadas se puede escuchar una representación completísima que convierte la llamada “música clásica” en un fenómeno actual y absolutamente vivo.

Me he tomado la molestia  de hacer un listado de autores habituales en la Europa musical, donde son programados con toda normalidad y que aquí son prácticamente desconocidos. Son compositores de gran calado, imprescindibles y que escribieron durante parte o buena parte del siglo XX. Quisiera observar que el listado es solo una representación y de ninguna manera están todos los que me hubiera gustado nombrar. Pero pienso que sirve como orientación.

Jordi Cervelló

Arthur Honegger

Arthur Honegger

¡Felicidades, Julia!

JuliaHerrera_0310Felicito de todo corazón a Julia Clavijo Herrera por su magnífico ‘Trabajo de fin de máster‘, con el que ha conseguido un merecedor ‘Excelente’, al mismo tiempo que agradecerle el magnífico análisis que ofrece de mi ‘Sonatina’ para violín solo, así como el que también hace del ‘Concierto para violín y orquesta’ de Felix Mendelssohn. De manera especial también agradezco las distintas partes del capítulo octavo, que lleva por título ‘Reflexiones de un compositor’, y que reproduce cuatro vivencias compositivas mías. Gracias, Julia. ¡Te felicito!

Jordi Cervelló

Vull felicitar de tot cor a la Julia Clavijo Herrera pel seu magníic ‘Treball de fi de màster‘, amb el qual ha conseguit un meritori ‘Excel·lent’. Al mateix temps, vull agrair-li el magnífic anàlisi que fa de la meva ‘Sonatina’ per a violí sol, així com del ‘Concert per a violí i orquestra’ de Mendelssohn. De manera especial, també agraeixo les diferents parts del capítol vuitè, que porta per títol ‘Reflexiones de un compositor’, i que reprodueixen quatre vivències compositives meves. Gràcies, Julia. Et felicito!

Jordi Cervelló

El 50è aniversari de la mort de Neuhaus

Neuhaus

El 10 d’octubre es van complir 50 anys de la mort del que va ser un dels més grans professors de piano: Heinrich Neuhaus. Aquest intèrpret va ser seguidor de la famosa Escola Russa de piano, que tenia dues branquens: la que va iniciar Alexandre Siloti (1863-1945) i la de Felix Blumenfield (1863-1931). Neuhaus era deixeble d’aquest darrer i possiblement va ser el professor que va formar deixebles de més renom encapçalats per Sviatoslav Richter i Emil Gilels. Neuhaus, que va néixer l’any 1888, va exercir la seva gran tasca bàsicament al Conservatori de Moscou, a partir del 1922. Altres grans noms que varen sortir del seu ensenyament foren els de Evgeni Malinin, Victor Eresko, Elisso Virsaladze, Vladímir Krainev i Radu Lupu.

Neuhaus tenia una sensibilitat extraordinària i una intució fora del comú. Per a ell, el discurs havia de ser entenedor, àgil, flexible i sobretot personal. El seu gran mèrit va ser guiar al deixeble pel camí més adequat segons la seva personalitat. Ell és l’autor d’un llibre important, que porta per títol L’art del piano, i que va escriure l’any 1958. Hi podem veure ben reflectida la seva manera personalíssima d’entendre la música.

El seu Beethoven, per altra banda, era particularment especial. Era això, el “seu Beethoven”, i la millor prova la tenim en l’enregistrament que va fer per al segell rus Melodiya, entre els anys 1948 i 1950. Va gravar quatre sonates, les núms. 14, 15, 30 i 31. Aquestes últimes són realment una lliçó interpretativa. Rigor i naturalitat a l’hora, un toc poètic i sentit, que trobem de manera especial en l’intern i suplicant ‘Adagio ma non troppo’, i les corresponents fugues de la Sonata núm. 31*. Una gran lliçó!

Jordi Cervelló

* Més avall trobareu uns quants vídeos.

EL 50 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE NEUHAUS

El 10 de octubre se cumplió el 50 aniversario de la muerte de uno de los más grandes profesores de piano que haya existido: Heinrich Neuhaus. Este intérprete fue seguidor de la famosa Escuela Rusa de piano, que se suele dividir en dos ramas: la que inició Alexander Siloti (1863-1945) y la de Felix Blumenfield (1863-1931). Neuhaus, discípulo de este último, fue posiblemente el profesor ruso que formó discípulos de mayor renombre, encabezados por Sviatoslav Richter y Emil Gilels. Neuhaus nació el año 1888 y ejerció su gran labor básicamente en el Conservatorio de Moscú, a partir de 1922. Otros grandes nombres que estudiaron con él fueron Evgeni Malinin, Victor Eresko, Elisso Virsaladze, Vladimir Krainev y Radu Lupu.

Neuhaus tenía una sensibilidad extraordinaria y una intuición fuera de lo común. Para él, el discurso tenía que ser entendedor, ágil, flexible y sobre todo personal. Su gran mérito fue el de saber orientar al discípulo por el camino más adecuado según su propia personalidad. Él es el autor de un libro que siempre tendrá una gran importancia en especial para los pianistas: “El arte del piano”, que escribió en 1958. En la publicación queda bien reflejada la manera personalísima de cómo entendía la música.

Su Beethoven era particularmente especial. Era “su Beethoven”. Y la mejor prueba la tenemos en las grabaciones que hiciera para el sello ruso Melodiya, entre 1948 y 1950. Grabó cuatro sonatas: las n.os 14, 15, 30 y 31.  Estas últimas son una verdadera lección de interpretación. Rigor y naturalidad, y a la vez con un toque poético y sentido que encontramos de manera especial en el interno y suplicante “Adagio ma non troppo” , con las correspondientes fugas de la nº 31. ¡Una gran lección!

Jordi Cervelló       

Mercès, Camerata 432!

Camerata432Fa pocs díes que la Camerata 432 estrenava una obra meva a l’Auditori de La Pedrera de Barcelona. El concert formava part del cicle ‘Música per la Pau’. Era ple. Va ser una bona mostra de l’alt nivell d’aquest conjunt, que en el seu dia va fundar Jordi Roch, com a orquestra de la Schubertíada de Vilabertran.

Aquesta era la segona vegada que la Camerata 432 interpretava una de les meves obres. La primera va ser Ofrena a Franz Schubert. En aquesta ocasió, van estrenar Santa Clara 1714. La càrrega dels estudiants, també comissionada, com en aquell cas, per la Camerata. Haver pogut tenir contacte amb aquest grup, ha sigut per a mi un veritable plaer. El conjunt el formen nois i noies d’excel·lent preparació, musical i tècnica. Volia aprofitar aquest escrit per remarcar i destacar la seva entrega i motivació, les ganes de transmetre i comunicar, i la concentració amb que toquen. Tenen una clara preocupació per que el resultat final sigui convincent. I així és. Per a ells pot ser estimulant comptar amb la presència del compositor durant els assajos de la seva obra. Però per a un compositor és també colpidor comprovar l’entrega absoluta i atenta d’uns joves que denoten una imperiosa necessitat de donar vida a una música desconeguda fins al moment.

La Camerata 432 va interpretar Santa Clara 1714 amb un convenciment i una seriositat que van arribar al públic, cosa difícil pel fet de ser una obra nova, desconeguda per a l’auditori. L’experiència també era nova per als intèrprets, i en certa manera també per a mi mateix, ja que, fins a la seva interpretació, un autor pot tenir els seus dubtes en certs passatges. L’excel·lent enregistrament que en va fer el bon amic Dani Guinot de Catalunya Música, m’ha facilitat molt les correccions necessàries d’aquesta obra nova, abans de la seva edició definitiva.

Voldria agrair molt especialment a la Fundació Catalunya-La Pedrera, la il·lusió que han mostrat per a l’estrena de la meva partitura, en un concert on hi havia dos grans noms de la música catalana, com són Eduard Toldrà i Pau Casals. També  recordaré la xerrada desenfadada prèvia al concert amb l’amic musicòleg Xavier Chavarria, amb qui he coincidit en altres ocasions.

El mateix programa es va fer una setmana després, el 26 de setembre, dins del Festival de Música de Rialp, a l’Església Parroquial. També el meu agraïment per a ells.

Jordi Cervelló

GRACIAS, CAMERATA 432

Hace pocos días que la Camerata 432 estrenó una obra mía en el Auditorio del emblemático edificio de La Pedrera de Barcelona. El concierto iba incluído dentro del ciclo ‘Música per la Pau’ (Música para la Paz). Estaba lleno y sin duda alguna fue una buena muestra del alto nivel de este conjunto, que en su día fundó Jordi Roch (Presidente de Juventudes Musicales de España), como orquestra del festival veraniego que se realiza en Vilabertrán (Girona).

Es ya la segunda vez que la Camerata 432 interpreta una obra mía, la primera de las cuales fue ‘Ofrena a Franz Schubert’. En esta ocasión se estrenó mi reciente partitura ‘Santa Clara 1714′, que lleva como subtítulo ‘La carga de los estudiantes’. También estaba comisionada por la Camerata. Haber tenido contacto con este grupo ha sido para mi un verdadero placer. Está formado por jóvenes instrumentistas de excelente preparación, sea musical que técnica. Era la segunda vez que trabajaba con ellos y quiero aprovechar este escrito para remarcar y destacar su entrega y motivación, las ganas de transmitir y la concentración que consiguen. Tienen clara preocupación en que el resultado final sea convincente. Y así es. Para ellos puede ser estimulante contar con la presencia del compositor durante los ensayos de su obra. Pero para un compositor es también conmovedor comprobar la entrega absoluta y atenta de unos jóvenes que denotan una imperiosa necesidad de dar vida a una música desconocida hasta el momento.

La Camerata 432 interpretó mi ‘Santa Clara 1714′ con convencimiento y seriedad. La obra llegó al público de manera inteligible, hecho nada fácil por tratarse de una música desconocida a la vez que sobre un tema arriesgado. Si constituyó una nueva experiencia para los intérpretes también lo fue para mi, dado que abundan pasajes difíciles y un autor puede tener sus dudas en el momento de la primera audición. La excelente grabación que hizo mi amigo Dani Guinot de Catalunya Música me ha facilitado mucho las correcciones necesarias, a veces detalles casi insignificantes peró que deben subsanarse antes de la edición definiva.

Quiero agradecer especialmente a la Fundació Catalunya La Pedrera por su interés mostrado en estrenar mi partitura en un concierto en el que sonaron también obras de dos grandes músicos catalanes como fueron Eduard Toldrà y Pau Casals. También recordaré la charla desenfadada previa al concierto con el amigo musicólogo Xavier Chavarria, con quien he coincidido en otras ocasiones.

El mismo programa sonó una semana después, el 26 de Septiembre, en el Festival de Música de Rialp, en la Iglesia Parroquial de esta localidad. Un agradecimiento también para ellos.

Jordi Cervelló

Els ocells (i 2)

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fondosdepantalla.org

Recupereu l’article anterior: Els ocells (1)

He de dir que la influència dels ocells ha estat determinant en algunes obres del meu catàleg. Sense la seva influència, mai hauria escrit la Sonatina, ni els 4 Capricci, ni el Divertimento 2002. També en altres obres com per exemple la Petita Suite per a piano o els dos Divertimenti per a dos violins. Aquestes, i també d’altres, on, tot i que en menor grau, he volgut suggerir per a il·lustrar determinats passatges.

Em referiré ara a la darrera obra simfònica que he escrit. Es tracta de Natura contra Natura. És una composició en tres moviments, el primer dels quals porta per títol Sons de natura. És un moviment d’uns 10 o 12 minuts, on els ocells juguen un paper primordial. En aquesta part he volgut evocar, de manera bucòlica i descriptiva, la vegetació, els arbres, les plantes i les flors, els rierols, i de manera especial el cant dels ocells, que de fet són els protagonistes del moviment.

A més, afegiré que conèixer Eloïsa Matheu, especialista en l’enregistrament de sons i rumors de la natura, ha estat fonamental, donada la seva experiència en l’enregistrament del cant dels ocells. L’Eloïsa ha recorregut mig món enregistrant totes les espècies possibles, i té editats diversos CDs, amb sóns de l’Àfrica, el Brasil, l’Europa Occidental, Costa Rica. Té, a més, de tres CDs dedicats als ocells de la Península Ibèrica, que porten per títol ‘Guía sonora de las Aves de España’, publicat conjuntament amb un altre especialista, Jean C. Roché.

Natura contra Natura segueix amb un segon moviment que porta per títol Clam i que és totalment oposat. Aquí el tema és la violència de l’home, que destrossa tot el que troba al seu pas, sense respectar la natura, ni a ell mateix, ni als éssers irracionals. Els ocells ja han desaparegut. L’obra conclou amb una Elegia que no és res més que la tristor que sento davant de l’actitud tan irresponsable amb el nostre entorn.

Aquest és el meu últim article al blog abans de marxar de vacances.
Us desitjo a tots molt bon estiu!

Jordi Cervelló


Recuperad el artículo anterior: LOS PÁJAROS (1)

Tengo que decir que la influencia de los pájaros ha sido determinante en determinadas obras de mi catálogo. Nunca hubiera  compuesto mi ‘Sonatina’, ni los ‘4 Capricci’ para violín solo ni el ‘Divertimento 2002′ para orquesta. Su influencia ha sido decisiva. También en piezas como la ‘Petita Suite’ para piano solo o los dos ‘Divertimenti’ para dos violines. Además, en otras composiciones, aunque en menor grado, igualmente han sugerido determinados pasajes, de manera puntual. 

Me referiré también a la última obra sinfónica que he escrito. Se trata de ‘Natura contra Natura’, una pieza muy importante para mi y que he dividido en tres movimientos. El primero, titulado ‘Sons de la natura’ (Sonidos de la Naturaleza), tiene una duración de entre 10 y 12 minutos, y en él los pájaros juegan un papel básico. En dicho movimiento he querido evocar de manera bucólica y descriptiva la vegetación, los árboles, las plantas y las flores, los riachuelos, y de manera especial el canto de los pájaros, que de hecho se convierten en los verdaderos protagonistas del movimiento.

Por otra parte, debo decir que conocer a Eloïsa Matheu, especialista en la grabación de sonidos y rumores de la naturaleza, ha sido fundamental dada su experiencia en el registro del canto de los pájaros. Eloïsa ha recorrido medio mundo grabando todas las especies posibles y tiene editados varios CD’s, ya sea en Africa, Brasil, Europa Occidental, Costa Rica. También tiene una serie de 3 CD’s dedicados a los pájaros de la Península Ibérica, titulado ‘Guía sonora de las Aves de España’, realizada conjuntamente con otro especialista llamado Jean C. Roché.

‘Natura contra Natura’ sigue con un segundo movimiento que lleva por título ‘Clam’ (Clamor) y que tiene un carácter totalmente diferente. Aquí es la violencia del hombre que destroza todo lo que encuentra a su paso, sin respetar la naturaleza, ni al mismo hombre, ni a los seres irracionales. Los pájaros han desaparecido. La obra concluye con una ‘Elegía’ que no es más que la tristeza que siento delante de esta actitud tan irresponsable con nuestro entorno.

Éste es mi último artículo en el blog antes de irme de vacaciones.
¡Os deseo a todos un muy feliz verano!

Jordi Cervelló

Els ocells (1)

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stanford.edu

Els ocells han estat una part molt important de la meva vida. De fet, la majoria de compositors no han estat indiferents als seus cants, refilets o vocalitzacions. El compositor francès Paul Dukas els definia com uns “grans mestres”.

Vivaldi fou un dels primers en utilitzar-los. En el seu concert per a flauta conegut com Il cardellino (La cadernera), imita el so d’aquesta au. A més, a L’estiu de Les quatre estacions imita el cucut, la tòrtora i, de nou, la cadernera. No cal dir que Beethoven, en la seva Pastoral, fa una magistral descripció de la natura, introduïnt els ocells en el segon moviment de la simfonia, l’Andante molto mosso, imitant el rossinyol, la guatlla i el cucut, que són representats simultàniament per la flauta, l’oboè i el clarinet. Molts més exemples es podrien esmentar, en especial en obres del període romàntic, fins arribar a la figura del francès Olivier Messiaen, que va utilitzar el cant dels ocells en nombroses obres seves, amb una certa predilecció per la merla, que es converteix en un element essencial en el seu famós Quatuor pour la fin du temps. Messiaen es considerava tan ornitòleg com compositor.

Efectivament, “uns grans mestres”, com deia Dukas, sobretot pel que fa als registres aguts i sobre-aguts. Gairebè sempre, si parlem de música, són imitats per la flauta, l’oboè, el clarinet, de vegades pel fagot, i d’una manera especial pel violí, ja sigui sol o formant part de la família de l’orquestra simfònica. Que els ocells han estimulat als compositors és més que evident. Són els animals més “musicals” de la natura, i no només per les seves inimitables vocalitzacions i refilets absolutament particulars, sinó també i sobretot per la qüestió rítmica. Els ritmes són tan variats i sorprenents que ocuparien tot un tractat, de mai acabar…

Encara un darrer exemple, d’una obra del Romanticisme que trobo genial i molt important. Es tracta del tercer moviment del Concert per a violí i orquestra de Felix Mendelssohn, l’Allegro molto vivace. Ja només començar aquesta part del concert, el violí solista fa d’ocellet, amb un senzill arpegiat de semicorxeres ascendent. Li serveix com a introducció del tema principal, que és una claríssima evocació virtuosística d’un ocellet cantaire. Tot el moviment, incloent-hi la fusta (flautes, oboès, clarinets i fagots), i la corda sencera, és com una persecució contrapuntística, amb constants preguntes i respostes, en un clima que respira natura per tots els costats. El concert, que està escrit en la tonalitat de mi menor, aquí es converteix en Mi Major gràcies a aquest moviment festiu, alegre i d’un enginy únic.

Jordi Cervelló


LOS PÁJAROS (1)

Los pájaros han sido siempre una parte muy importante de mi vida. De hecho, la mayoría de compositores no han sido indiferentes a sus cantos, gorgojeos, vocalizaciones… Ya el compositor francés Paul Dukas los definía como unos “grandes maestros”.

Vivaldi fue uno de los primeros en utilizarlos. En su concierto para flauta conocido como “Il cardellino” imita el sonido del jilguero, así como en ‘El Verano’ de ‘Las cuatro estaciones’ imita el cuclillo, la tórtola y de nuevo el jilguero. La famosa ‘Pastoral’ de Beethoven, con su magistral descripción de la naturaleza, los introduce en el segundo movimiento ‘Andante molto mosso’, imitando el ruiseñor, la codorniz y el cuclillo, que son representados simultáneamente por la flauta, el oboe y el clarinete.

Muchos ejemplos se podrían mencionar, en especial de obras del período romántico, hasta llegar a la figura del francés Olivier Messiaen, que utilizó sus cantos en numerosas composiciones y que tenía una cierta predilección por el mirlo, elemento esencial en su famoso ‘Quatuor pour la fin du temps’. Messiaen se consideraba tan ornitólogo como compositor.

Efectivamente, “unos grandes maestros”, como decía Dukas, sobre todo para los registros agudo y sobreagudo. Como ya hizo Beethoven en su ‘Pastoral’, los instrumentos preferidos para evocar a los pequeños “maestros” son la flauta, el oboe, el clarinete, también el fagot y sobre todo el violín, ya sea solo, como dentro de la orquesta sinfónica. Que los pájaros cantores han estimulado a los compositores es más que obvio. Son los animales más “musicales” de la naturaleza y no solamente por sus inimitables vocalizaciones y gorgojeos, absolutamente particulares, sino también y sobre todo por la abundancia rítmica. Los ritmos son tan variados y sorprendentes que ocuparían un tratado sobre el ritmo, inacabable.

Sólo me referiré a un ejemplo más, esta vez de una obra del romanticismo, como es mi querido ‘Concierto para violín y orquesta’ de Felix Mendelssohn y su tercer movimiento ‘Allegro molto vivace’. Éste ya se inicia con el violín solista imitando un pajarito tan solo con un simple y rápido arpegiado ascendente de cuatro semicorcheas. Le servirá como introducción del tema principal, que para mi es una clarísima evocación virtuosística de una pajarito cantor. Todo el movimiento, incluyendo la madera (flautas, oboes, clarinetes y fagots), junto a la cuerda entera, viene a ser como una persecución contrapuntística, con sus constantes preguntas y respuestas, en un clima que respira naturaleza durante todo el movimiento. El concierto, escrito en la tonalidad de mi menor, se convierte en este movimiento final en un Mi Mayor festivo, alegre y de un ingenio único.  

Jordi Cervelló